Batman im zweiten Jahr

Der noch junge Bruce Wayne befindet sich erst in seinem zweiten Jahr als Batman. Das macht ein Tagebuch deutlich, aus dem wir im Film per Voiceover zu hören bekommen. An Halloween taucht plötzlich ein Serienmörder auf, der sich selbst der "Riddler" nennt (oder einfach so bezeichnet wird?) und Batman von einem Rätsel zum nächsten führt. Gemeinsam mit Lieutenant James Gorden geht Batman auf Spurensuche in die dunkelsten Ecken von Gotham City und trifft dabei auf seine Vergangenheit. Soweit zum Plot, den man eigentlich nicht weiter ausführen muss.

Wenn man das detektivische von Filmen wie "Sieben", den Film-Noir-Stil wie zum Beispiel von "Taxi Driver" und die Figur Batman in einen Mixer steckt, erhält man für mich The Batman. Viele haben auch "Zodiac – Die Spur des Killers" genannt, den habe ich bisher nur leider noch nie gesehen. Er ist deshalb auch kein Superheldenfilm, sondern eher Detektivthriller. Dafür wird viel wert auf die Atmosphäre gelegt und dieses düstere Gotham lies sich noch nie so gut erleben, wie in diesem Film. Actionszenen werden nur sehr dosiert eingesetzt, dafür immer gekonnt und erinnerungswürdig. Vor allem die Verfolgungsjagd hat mich mit offenem Mund zurückgelassen. Das war insgesamt die beste Actionszene des Films und mich würde stark interessieren, wie sie die Szene gedreht haben.

Stellenweise wird der Film aber auch ruhig und hält mit der Kamera mal länger auf Gesichter, um die Gedanken und psychischen (Ab-)Gründe der Figuren erfahrbar zu machen. Hinten raus hatte er mir ein bisschen zu viel Länge. Um das abschließend beurteilen zu können, müsste ich mir den am besten noch ein weiteres Mal ansehen.

Technisch eindrucksvoll

Regie führte Matt Reeves, der sich für zwei Filme der letzten Planet der Affen-Trilogie verantwortlich zeichnete. Im Blockbuster-Bereich also ein Mann, dem man vertrauen kann. Die Dialoge hatten ihren Reiz, die drei Stunden wurden immer gut gefüllt und fühlten sich nie zu langatmig an. Die Kameraarbeit stammt von Greig Fraser, den ich auch schon bei Dune in den höchsten Himmel gelobt habe. Diesmal mit weniger klaren und weiten Shots, dafür alles sehr nah dran, sehr beengend und mit insgesamt ungewohnt viel Tiefenschärfe bzw. Unschärfe, die unseren Blick auf gewisse Details konzentrieren lässt. Dadurch bekommen ein paar Einstellungen einen Horror-artigen Touch, auch wenn sich durch die FSK 12 Freigabe vieles bei euch im Kopf abspielt.

Interessant ist auch, dass die aus The Mandalorian (auch hier hat Fraser als Kameramann mitgewirkt) bekannte StageCraft-Technologie ebenfalls in The Batman verwendet wurde. Während es mir bei den Star-Wars-Serien schon das ein oder andere Mal aufgefallen ist, verschwimmen die Grenzen in The Batman zwischen visuellen Effekten und echten Sets aber so gut, dass es alles schlichtweg atemberaubend und passend aussieht.

Das Sounddesign ist noch so ein Hauptgrund für den Kinobesuch. Wenn zum ersten Mal das Batmobil auftaucht, garantiere ich euch einen Schauer, der über eure Körper läuft. Die Schläge in den Actionszenen hatten die nötige Wucht, um die gezeigten Bilder zu unterstützen und selbst so Details wie das Abrollen eines Klebebands krochen so unangenehm ins Gehör. Und zum Score von Michael Giacchino, der euch schon von der Eröffnungsszene in den Bann zieht, muss ich gar nicht viele Worte verlieren. Das müsst ihr hören und erleben.

Casting on point

Nach all den Filmen, die Robert Pattinson in den letzten Jahren gemacht hat, sollten nun auch die Letzten verstanden haben, dass er ein versierter Schauspieler ist. Als noch unsicherer Batman verschwindet er in den Schatten Gothams und seiner finsteren Psyche. Mal nicht als Playboy, sondern angelehnt an Kurt Cobain als kaputter und orientierungsloser Batman war das eine gelungene Darstellung.

Selina Kyle alias Catwoman wurde durch Zoë Kravitz vielleicht noch nie besser porträtiert. Ihr Story Arc fühlte sich im Film stellenweise gehetzt an, aber ihre Interpretation und Darstellung passte für mich wunderbar. Paul Dano als Riddler ist ein absoluter Psychopath. Dank der Make-Up-Abteilung verschwindet Colin Farrell glatt in seiner Rolle als Pinguin. John Turturro als Carmine Falcone fand ich anfangs irritierend, aber wenn man sich die Comic-Vorlagen anschaut, ist auch das eine gute Wahl. Nur seine Figur blieb für mich etwas zu blass.

Kinobesuch lohnt sich

Ich kann mir vorstellen, dass manche etwas "enttäuscht" sind, weil sie einen Popcorn-Blockbuster erwartet haben, der hier aber nur bedingt geboten wird. Als ich im Kino war, saß im Kinosaal auch ein Vater mit seinem vielleicht 12 Jahre alten Sohn. Ich kann mir vorstellen, dass der Junge die Comics gelesen hat und in den Actionszenen war er auch voll dabei. Bin aber auch der Meinung, dass er den Film in den tieferen Ebenen gar nicht richtig (be-)greifen konnte. Auch hat der Film eben viele ruhige Momente. Daher bin ich gespannt, wie der Film beim Publikum ankommt und wie er im Vergleich an der Kasse abschneidet. Weitere Kinofilme und Spin-Off-Serien (eine Serie rund um den Pinguin ist bereits bestätigt) könnten/werden folgen.

Falls ihr Bock auf Batman habt und euch auf eine dunkle Detektivstory einlassen könnt, solltet ihr euch diesen Film nicht im Kino entgehen lassen. Die Bilder und der Sound wirken zuhause höchstens halb so gut. Beim Hören des Scores sind mir heute direkt wieder Bilder durch den Kopf geschossen (die Szene mit der Leuchtfackel die auch sehr symbolisch ist, die Unterhaltung von Batman und Catwoman auf dem Dach, die Verfolgungsjagd auf dem Highway), die ihr einfach im Kino erlebt haben müsst. Und Kinobesuche sind sowieso immer etwas schönes.

Im letzten Jahr habe ich mir zum ersten Mal die komplette Filmografie von Paul Thomas Anderson innerhalb weniger Tage zu Gemüte geführt. Mein erster Film von ihm war Der seidende Faden, der mich irgendwie fasziniert hat, ich ihn aber gleichzeitig nicht ganz greifen konnte. The Master fand ich insgesamt am schwierigsten, Boogie Nights ging am leichtesten rein. Dafür schaffte es Magnolia direkt in meine Top 10 aller Zeiten. Für mich ist der Film ein Geniestreich sondergleichen. So war Licorice Pizza für mich ein Pflichttermin im Kino.

San Fernando Valley, 1973

Der 15-Jährige Schüler Gary Valentine trifft bei einem Fototermin auf die 25-Jährige Fotoassistentin Alana Kane. Für ihn war es Liebe auf den ersten Blick und er ist überzeugt davon sie in Zukunft zu heiraten. Alana ist zunächst gar nicht angetan von dem selbstbewussten Jüngling, der aber anders scheint als andere Jungs in seinem Alter. Gary führt in seinen jungen Jahren schon ein Unternehmen, er ist Schauspieler und denkt ihm gehöre die Welt. Alana hingegen hat noch keinen Stand im Leben gefunden, hangelt sich von Job zu Job, möchte ausbrechen und Normen sowie Erwartungen hinter sich lassen. Die typischen Probleme beim Erwachsenwerden.

Best depiction of the transition between "I can do anything, I have my whole life ahead of me!" and "I’ve wasted my life, I can’t do anything!" – ie, being 15 and being 25 – that I’ve ever seen.

David Weigel

Wachsendes Interesse

Nach und nach genießt sie sein Begehren und es entspinnt sich ein gegenseitiges An- und Abstoßen der beiden. Wo viele andere Filme sich an Handlung und Exposition abarbeiten, erzählt PTA seine Geschichten anhand der Figuren. Allein diese Andersartigkeit macht den Film schon besonders. Dabei sollte man alles gar nicht so sehr hinterfragen, sondern einfach die Augenblicke genießen. Man weißt zum Beispiel nicht, ob nun drei Jahre oder nur wenige Monate im Film vergehen. Braucht es auch nicht, da wir dem Film eh alles glauben und das Gefühl für Zeit einfach verloren geht.

Dabei gelingt es PTA auf leichteste Art Momente zu kreieren und einzufangen, die fast wie nebenbei gefilmt wirken. Es ist schon die Virtuosität der Eröffnungsszene mit der gleitenden Kamera, die zwischen Alana und Gary hin und her tänzelt und uns direkt in diese Beziehung hineinwirft. Neben Regieführung, schrieb PTA auch das Drehbuch, produzierte den Film mit und war wieder einmal mit als Kameramann tätig.

Gedreht wurde der Film auf 35mm Analogfilm. Zusammen mit der 70mm Projektion im Savoy in Hamburg (keine Werbung, einfach ein tolles Kino) hatte man auch direkt das Gefühl in den 1970ern verloren gegangen zu sein und sich in dieser Zeit einen Film anzuschauen. Die immer passende Musikauswahl funktionierte hervorragend, um den Nostalgiefaktor weiter aufzubauen und viele Szenen durch die Musik nochmal in neue Höhen zu treiben. Als Alana am Anfang aber von ihrem Arbeitgeber einen Klaps auf den Po bekommt, wird klar, dass die Zeit nicht immer so rosig war, wie wir sie in Erinnerung halten. Das wird auch an weiteren Stellen im Film aufgegriffen.

Zwei Filmdebütierende

Cooper Hoffmann, Sohn des leider viel zu früh von uns gegangenen Philip Seymour Hoffman, hat hier seine erste Filmrolle, ebenso wie Musikerin Alana Haim. Ihr kennt sie vielleicht als Teil des Schwestern-Musik-Trios HAIM (hier reinhören: "Want You Back"; Regisseur PTA hat mehrere ihrer Musikvideos inszeniert). Auch sie gibt in Licorice Pizza ihr Filmdebüt. Beide entsprechen nicht dem typischen Hollywood-Ideal, sondern wirken eher wie die zwei aus der Nachbarschaft. Das macht es aber umso glaubwürdiger und mehr aus dem Leben gegriffen. Zudem spielen beide ihre Rollen mehr als überzeugend. Cooper Hoffmann hat natürlich riesige Fußstapfen zu füllen, das traue ich ihm nach der Performance aber zu.

Der Name Licorice Pizza entstammt einer ehemaligen Kette von Plattenläden in Los Angeles.

Auch gestandene Hollywood-Größen sind in Nebenrollen zu sehen. Bradley Cooper imitiert den exzentrischen Jon Peters, den damaligen frischen Liebhaber von Barbara Streisand. Wann immer er auf der Leinwand zu sehen war, kam man aus dem Grinsen gar nicht mehr heraus (Oscar-Nominierung wo?). Sean Penn und Tom Waits, deren Figuren auf großen Namen im Filmbusiness basieren, lassen das alte Hollywood mit einem Motorradstunt wieder aufleben. Und Benny Safdie spielt als Politiker eine kleine Rolle.

Auch die Eltern und die Schwestern von Familie Haim kommen im Film vor und spielen passenderweise die Familie von Alanas Figur. Und da kommen wir nochmal zum Star des Films: Alana Haim. Ihr Schauspiel ist so elektrisierend-furchtlos, dass sie sich auch nicht hinter den Hollywood-Größen verstecken muss. Sie strahlt so viel Sympathie und Energie aus, dass es wirklich Spaß machte ihr zuzuschauen. Auch gehört ihr mit die beste Sequenz im Film, in der sie einen Möbeltransporter steuert, der ohne Benzin rückwärts die Straßen herunterrollt. Das ist spannender inszeniert als in diversen Actionfilmen. Ich bin super gespannt, ob und wie es mit ihrer Schauspielerinnen-Karriere weitergeht.

Kino zum Verlieben

Zufriedener werde ich mit dem Text leider nicht mehr und es sind wieder viel zu viele Worte dafür draufgegangen. Ich würde den Film auch am liebsten direkt ein weiteres Mal sehen. Licorice Pizza ist ein Gefühl, das man selber erlebt haben muss und entweder packt es dich oder es lässt dich kalt. Mich hat er von der Eröffnungsszene, über all die Momente bis zum Schluss total mitgerissen und bekommt bei mir jetzt schon einen Platz in den Top 5 für dieses Jahr. Die Coming-of-Age Story mit der Liebelei der beiden ist herzallerliebst inszeniert, Alana Haim verkörpert dieses nervöse, leicht flippig-genervte in der unsicheren Zeit des Erwachsenwerdens in Perfektion und dieses Abtauchen in die 1970er macht einfach Lust in dieses Jahrzehnt zurückzureisen. Das alles aus den Händen von einem Mann, der sein Handwerk einfach versteht. Kino zum Verlieben.

Bandenkrieg und Liebe

Im Broadway Klassiker von Leonard Bernstein (Musik), Stephen Sondheim (Lyrics) und Arthur Laurents (Buch) stehen sich in New York der 1950er zwei rivalisierende ethnische Gangs gegenüber: die US-amerikanischen Jets, angeführt von Riff und die puerto-ricanischen Sharks, angeführt von Bernardo. Mittendrin entspinnt sich eine Liebesgeschichte zwischen dem ehemaligen Anführer der Jets "Tony" und der Puerto-Ricanerin "Maria", der Schwester von Bernardo, wodurch sich die Spannungen der beiden Gruppen nur noch weiter verstärkt. Heruntergebrochen ist es angelehnt an die Shakespeare-Tragödie "Romeo und Julia".

Meistermann Steven Spielberg

Ein Vergleich mit der Filmversion von 1961 ist natürlich sinnvoll, obwohl auch der Film erstaunlich gut gealtert ist und heutzutage noch immer modern aussieht. Auch dort stachen die Kamerafahrten und die Ensembleleistung sehr heraus. Allerdings fühlt es sich mehr an, wie eine Theaterinszenierung in einem leeren New York. In der Version von 2021 fühlt sich alles deutlich lebendiger an. Die Straßen sind bevölkert, es gibt deutlich mehr Setpieces und kleineren Ideen und alles ist einfach mit der fünffachen Größe inszeniert worden. Die Reihenfolge der Szenen wurde etwas geändert und auch einige (politisch) bissigere Kommentare mehr schafften es ins Skript. Auch das Sounddesign kommt deutlich druckvoller und düsterer daher.

Bei dem Namen Steven Spielberg kann man natürlich auch einiges erwarten und er liefert so was von ab. Zwischenzeitlich ist es schlichtweg atemberaubend, was er mit seinem langjährigen Kameramann Janusz Kamiński für Szenen kreiert. Nicht nur die typischen langen Takes und die weiten Kameraeinstellungen sind beeindruckend. Auch alles andere. Die Machart wirkt wie aus der damaligen Zeit und die Choreographien sind großartig. Ein kleiner Kritikpunkt von mir wäre, dass einige Sets durch die Lichtsetzung manchmal etwas unnatürlich wirkten.

(Tanz-)Choreographien vom Feinsten

Schon im ersten Drittel kommt man bei der Ballszene in der Turnhalle nicht mehr aus dem Staunen heraus. Wie die Kamera langsam über das Geschehen fliegt, sich dreht und wieder zu den Protagonist:innen zurückkommt, während im Hintergrund Hunderte an Darsteller:innen am wuseln sind, ist fast schon magisch. Dort erblicken sich Maria und Tony das erste Mal. Ebenfalls toll. Aber auch einige einzelne Bilde sind wunderschön. Es gibt eine Szene, in der Ansel Elgorts Figur "Tony" in einer Pfütze vor dem Haus mit der Wohnung von Maria steht. Falls ihr den Film euch mal anschaut, werdet ihr wissen was ich meine.

Die beste Sequenz gibt es zu "America". Das Musikstück an sich ist schon fantastisch, aber verbunden mit der Choreographie, die heraus auf die Straßen getragen wird, bereitete mir massivste Gänsehaut und dieses High-Gefühl im Kino. Meine Augen klebten förmlich auf der Leinwand.

Das Ensemble

Was wäre ein Musicalfilm ohne ein Ensemble, das sein Handwerk versteht und hallelujah waren da einige herausstechende Leistungen dabei. Vom Gesang und Tanz verstanden sie alle etwas und dahingehend ist mir nichts negativ aufgefallen. Die Figur "Tony", gespielt von Ansel Elgort, wirkte etwas hölzern, was sich aber ab der Mitte noch besserte. Rachel Zegler als "Marie" dagegen konnte in ihrer ersten Filmrolle mit ihrer Stimme, die einem zum weinen bringt und ihrer herzlich-offenen Art glänzen. Mike Faist als "Riff" und David Alvarez (einer der jüngsten Tony Award Gewinner) als "Bernardo" stachen als Bandenführer ebenfalls heraus. Einerseits wegen ihre Anführer-Ausstrahlung und ihrer Coolness. Auch Rita Moreno (die EGOT-Preisträgerin hat mittlerweile 90 Jahre auf der Uhr), die in der 1961er Version die "Anita" spielte, bekommt hier eine wichtige und emotionale Rolle.

Der eigentliche Star aber war für mich Ariana DeBose, die "Anita" spielt. Allein mit ihrem Charisma und ihrer puren Energie stahl sie in vielen Szenen allen die Show. Die Ausstrahlung, die Freude, ihre anziehenden Blicke. Das war umwerfend. Auch nach ihrer Golden Globe Prämierung ist sie für mich momentan heiße Anwärterin auf eine Auszeichnung als Beste Nebendarstellerin bei den Oscars.

Glücklich und beseelt

Nach dem Kinobesuch war ich wie verzaubert und musste mich kurz dran gewöhnen, nicht mehr innerlich durch die Straßen New Yorks zu hüpfen. Musicals fand ich immer gut, als Film konnte mich das aber nie ganz packen. Das hat sich im letzten Jahr mit Encanto oder auch tick, tick…BOOM! entscheidend geändert. Auch La La Land habe ich im letzten Jahr das erste Mal gesehen (und dann direkt zweimal), der für mich sogar ein 5/5 Film ist.

West Side Story hat mich trotz des tragischen Endes mit einem warmen Gefühl aus dem Kinosaal entlassen. Die weiten Bilder mit den großen Sets, dem tollen Cast und der Menge an Statisten berauschen die Sinne, die Songs werden von Anfang an spitzenmäßig rübergebracht und insgesamt war das einfach schön anzusehen. Wer Musicals generell mag und mit der leicht theatralische Art und den Tänzen etwas anfangen kann, der sollte sich West Side Story (2021) in jedem Fall anschauen!

Wenn ihr Glück habt, bekommt ihr den Film noch vereinzelnd im Kino zu sehen. Ansonsten kann ich mir gut vorstellen, dass er ähnlich wie andere 20th Century Studios Produktionen (The Last Duel, Free Guy) demnächst auf Disney+ landet.

Was erwartet einen in TITANE?

Die ungeliebte Alexia hatte als kleines Mädchen einen Autounfall, woraufhin sie eine Titan-Platte in den Kopf implantiert bekommt. Bei der Entlassung aus dem Krankenhaus merken wir, hier ist etwas anders. Sie würdigt ihren Eltern keines Blickes, sondern umarmt direkt das Unfallauto. Danach lernen wir sie Jahre später als erotische Tänzerin auf einer Autoshow kennen, bevor sie anfängt Leuten ihre Haarnadel ins Ohr oder andere Körperöffnungen zu stechen und sich auf ihrer Flucht als vermisster Junge ausgibt. Klingt abgefahren, ist es auch und es passieren noch deutlich skurrilere Dinge.

Auch die Brutalität (es gibt zum Beispiel eine Szene in der sie sich ihre Nase zurecht bricht) ist sehr ehrlich inszeniert. Während des Films wird die Handlung dann nicht mehr so stringent erzählt, entwickelt sich aber in eine irgendwie spannende Richtung. Mehr sollte man über den Film inhaltlich auch eigentlich nicht wissen, wenn man sich ihn noch anschauen möchte. Wer dennoch mehr wissen will, bekommt unten in "Weitere Empfehlungen" mehr zu lesen.

Nach dem Schauen war ich erst einmal ein wenig erschlagen. Bilder und Momente stehen metaphorisch für die Themen die in TITANE verhandelt werden. Audiovisuell ist der Film ebenfalls schlichtweg umwerfend. Die Farbpallette und ihre Kontraste bekommen wir gleich in der Eröffnungsszene präsentiert. Das sieht alles so gut aus, wie dort mit Farben, Lichtspielen und Reflektionen gearbeitet wird. Auch das oft derbe Sounddesign schwingt in jeder Szene mit.

Sex, Autos, Morde

Vor allem die Eröffnungsszene nach dem Filmtitel wird mir ewig in Erinnerung bleiben. Unterlegt wurde diese mit "Doing It To Death" von The Kills, der im Kinosaal nochmal mehr ins Ohr drückte als ohnehin schon. Es folgte ein Tracking Shot während einer Autoshow, der einen sofort in den Film hineinzog. Die agile Kamerafahrt während der Tanzszene (die später im Film noch einmal wichtig wird) und das Schauspiel von Agathe Rousselle taten ihr übriges. Erst nach dem Film habe ich erfahren, dass es für Agathe die erste Filmrolle war, was rückblickend betrachtet echt verrückt ist.

Auch später werden Szenen noch einmal sehr eindrucksvoll mit ausgewählten Musikstücken unterlegt. Diese laute, und bestimmt-ekstatische Stimmung heraufzubeschwören ist Regisseurin Julia Doucournau auch schon in RAW gelungen. Aber es wird nicht nur zugehauen, denn es gibt auch genug Szenen, die sinnliche Schönheit hervorzurufen und auch emotional unter die Haut gehen. Und manchmal wird es fast unfreiwillig komisch.

Ich bin superglücklich den Film doch noch im Kino gesehen zu haben, da man solche Filmperlen oft nur in ausgewählten Kinos zu sehen bekommt. Auch beweist Doucournau mit Titane warum sie eine der spannendsten französischen Regisseurinnen zur Zeit ist.

TITANE ist Kino

TITANE ist ein bizarrer Film, der nicht alle Geschmäcker bedienen wird. Da ist der Film viel zu weit weg vom Popcorn-Kino, dessen Besuchende den Film vielleicht nach 10 Minuten ausgemacht hätten. Auch die Brutalität könnte für manch Zuschauende zu viel sein.

TITANE wollt ihr schauen, wenn ihr Lust auf eine Herausforderungen habt. Ein Film bei dem ihr euch viele Gedanken machen und gleichzeitig verarbeiten müsst. Er stellt viele Fragen gibt aber nur wage Antworten.

TITANE ist für mich aufregendes Kino, abseits der Norm, das meine Sehgewohnheiten auf die Probe stellt und erweitert. Ein Film der mir zeigt, was im Kino möglich ist. Für mich das abgefahrenste Kinoerlebnis des Jahres.

Weitere Empfehlungen

• "Titane: Endlose Transformation" von Jens Balzer, Zeit.de
• "Scheiße, ich mag alles am Filmemachen!" | Talk mit TITANE-Regisseurin Julia Ducournau von Kino+, Youtube.com

Die Geschichte (Achtung: kleine Spoiler)

Paul Atreides (Timothee Chalamet) siedelt gemeinsam mit seinem Vater Herzog Leto (Oscar Isaac), seiner Mutter Lady Jessica (Rebecca Ferguson) und dem gesamten Hauststand des Adelshauses Atreides auf den Planeten Arrakis um, der auch als Dune bekannt ist. Dort sollen die Atreides sicherstellen, dass das Spice, eine Droge, die intergalaktische Reisen erst möglich macht und nur auf Arrakis zu finden ist, weiter abgebaut wird. Doch die Reise nach Arrakis entpuppt sich als Falle, die Baron Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård) den Atreides gemeinsam mit dem Herrscher des galaktischen Imperiums gestellt hat. Paul muss gemeinsam mit seiner Mutter in die endlosen Wüsten von Dune fliehen, wo er auf die geheimnisvollen Fremen um deren Anführer Stilgar (Javier Bardem) trifft, ein nomadisches Wüstenvolk, das auf die Ankunft eines prophezeiten Erlösers wartet…

Vor allem die Themenvielfalt und die Einflüsse unterschiedlichster Kulturen (vor allem aus dem arabischen Raum) haben mich beim Lesen des Buches sehr in den Bann gezogen. Der Stoff bietet einfach so viel Projektionsfläche. Es geht um Kolonisation, die Ausbeutung von Ressourcen, das Verhältnis von Politik und Religion, Gier, weibliche Macht, Ökologie, der Umgang mit Wasser und Rohstoffen, Identitätsfindung, soziologische Themen, Philosophie und wie unsere Gesellschaft in feudalen Machtstrukturen funktioniert, wenn wir nicht mehr auf Computer zurückgreifen können. Einige der Dinge, die Frank Herbert in seinem Buch aufgreift, sind heute vielleicht noch aktueller als zum Zeitpunkt des Erscheinens vor über 55 Jahren.

Ein Visionär unserer Zeit

Das Buch von Frank Herbert (von 1965) galt immer als unverfilmbar. Der chilenische Regisseur Alejandro Jodorowsky scheiterte Mitte der siebziger Jahre an der Größe und dem Wahnwitz seiner Interpretation (und hatte damit unfreiwillig Einfluss auf das Entstehen von Alien, Blade Runner oder auch Star Wars). David Lynch lieferte dann 1984 eine Version ab, wo das Produktionsstudio zu sehr ihre Griffel im Spiel hatte. Daraus ergab sich ein zusammengestauchter Film, der qualitativ der Vorlage nicht gerecht wurde.

Denis Villeneuve ist für mich einer der besten Regisseure unserer Zeit und hat mit Filmen wie Blade Runner 2049 und Arrival gezeigt, dass er Science-Fiction, große Bilder und einsaugende Atmosphäre einfach kann. Schon im Jugendalter malte er sich auch aus, wie einzelne Szenen im Film aussehen könnten. Wichtig zu erwähnen ist hierbei, dass sich Villeneuve zum Glück dafür entschieden hat, das Buch in zwei Teilen zu verfilmen. In den 155 Minuten (die wie im Flug vergehen) des 165 Millionen US-Dollar teuren Blockbusters bekommt ihr also nur den ersten Teil der Reise zu sehen und nicht wenige waren am Ende etwas enttäuscht, dass es nicht weiterging. Aber wenn das das einzige größere Negativargument bleibt, hat der Film alles richtig gemacht.

Eine Wucht

"Mein Planet Arrakis ist so schön, wenn die Sonne tief steht." Schon der Einstieg in diesen Film ist schlichtweg wundervoll. Nach dem einleitenden Prolog wusste ich schon: Hier erwartet mich eine ganz große Reise. Es ist ein SciFi-Blockbuster, der trotz seiner irrsinnigen Größe der Bilder ungemein intim wirkt. Villeneuve und sein Kameramann Greig Fraser spielen hier immer wieder mit dem Kontrast aus Schauspiel und der schieren Größe der Welt und der Sets. Alles wirkt echt, was sicher auch damit zu tun hat, dass die Szenen auf Arrakis in der Wüste gedreht wurden und die Sets in den Innenräumen vermutlich auch alle so existieren.

Audiovisuell erschlägt einen der Film förmlich. Die Bilder sind groß, sandgeschliffen und passend minimalistisch. Wenn Paul zum ersten Mal das Spice und den Sand in seiner Hand spürt, möchte ich am liebsten direkt zugreifen. Auch der Shot mit der Wüstenmaus erzählt in den wenigen Sekunden so viel über die Welt von Arrakis. Hans Zimmer (ebenfalls ein großer Fan der Buchvorlage) legt darunter einen sphärischen Klangteppich, der einen immer weiter ins Geschehen zieht und für Gänsehautmomente sorgt.

Die Charaktere erklären sich gegenseitig die Welt und manche Dinge muss man sich aus den präsentierten Bildern selbst aus dem Zusammenhang erschließen. Dabei fühlt sich alles sehr organisch und passend an. Von der Exposition her allen gerecht zu werden, war sicher eine der Herausforderungen. Auch das Tempo fand ich quasi perfekt für diesen Film. So habe ich in Reviews schon von zu viel und von zu wenig Tempo gelesen, was ich spannend finde. Der Film muss schon vieles abhandeln, aber es bleibt einem auch immer Luft zum Atem, da die einzelnen Szenen sich Zeit nehmen, um Dinge auf sich wirken zu lassen.

Ein Cast zum Niederknien

Timothée Chalamet (der Typ ist einfach pures Gold) als Paul Atreides trägt diesen Film, gemeinsam mit Rebecca Ferguson als Lady Jessica, eine Bene Gesserit (eine Schwesternschaft, zu der es auch eine Serie geben soll) und seiner Mutter. Bei den beiden ist immer wieder spannend zu sehen, wie viel in den Blicken und Gesichtsausdrücken passiert und wie viel sich alleine daraus ableiten lässt. Javier Bardem spielt den Fremen-Anführer Stilgar und die Szenen, in denen er zu sehen ist, hinterlässt er bleibenden Eindruck. Jason Momoa als Duncan Idaho ist einer der besten Kämpfer des Universums und trotz des Typecastings, ist dieser Mann für diese Rolle einfach gemacht.

Zendaya als Chani war aufgrund der Story bisher noch nicht im Fokus, ist während des Films aber immer mal wieder zu sehen. Sie muss sich nur umdrehen und in die Kamera lächeln, damit mir das Herz aufgeht. Ihr Blick ist einfach der Wahnsinn. In Dune: Part Two wird sie dann auch mehr Aufmerksamkeit bekommen. Die restliche Besetzungsliste lässt sich ebenfalls sehen und ich will hier nicht den Rahmen sprengen.

Völlige Begeisterung

Nach dem Intro eröffnet der Film mit "Dune: Part One". Am Ende wird klar: Hier muss mindestens ein zweiter Teil kommen, der die losen Enden weitererzählt. Das Ende des Film könnte sich auch erst einmal etwas willkürlich anfühlen, wobei eine Figur eine extrem wichtige Entwicklung durchmacht und es auch im Buch ein natürlicher Bruch ist, der mit einem kleinen Zeitsprung versehen ist.

800.000 Kinogänger:innen hat der Film in Deutschland bisher mobilisiert. Wollen wir hoffen, dass der Film auch in Amerika und China erfolgreich läuft (Starttermin merkwürdigerweise dort erst am 22.10.). Für einen zweiten Teil wurde zwar noch kein grünes Licht gegeben. Bei den momentanen internationalen Zahlen und der Resonanz kann ich mir aber nur schwer vorstellen, dass hier kein zweiter Teil folgt. Villeneuve träumt auch schon von einer Trilogie, indem er das zweite Buch ebenfalls noch auf die Leinwand bringt. Meinetwegen könnte man den ganzen Zyklus in der Qualität erzählen.

Ich würde gerne stundenlang über den Film und all dem Drumherum philosophieren. Wie auch mir geht es vielen anderen da draußen, die so ein wenig "Aufbruchstimmung" verspüren, dass man hier mit DUNE etwas ähnliches erleben könnte, wie vor 20 Jahren mit Herr der Ringe (für mich die beste Trilogie aller Zeiten). Aus der Welt will ich noch so viel mehr sehen und ich werde mich jetzt erstmal ans zweite Buch machen. Der Film ist eines dieser Meisterwerke, auf das ich mich nun schon sehr lange gefreut habe und ich wurde nicht enttäuscht. Ganz im Gegenteil. Meine hohen Erwartungen wurden mehr als übertroffen. Um meinen Appell vom Anfang noch einmal zu wiederholen: Schaut euch diesen Film unbedingt im Kino an. "Das ist erst der Anfang". 5/5

Coming-of-Age-Thriller-Komödie

Der Plot ist zwar simpel, reicht aber vollkommen aus, um die 77 Minuten Spielzeit zu füllen. Im Opening sieht man Danielle (gespielt von Rachel Sennott) und ihren Sugar Daddy Max (gespielt von Danny Deferrari) beim Sex. Danielle ist eine junge Senior-Collegestudentin, die noch nicht so richtig weiß, was sie im Leben machen möchte. Auf einer Schiwa (eine jüdische Trauerveranstaltung; bzw. eine Woche der Trauer), die sie gemeinsam mit ihren Eltern besucht, trifft sie u. a. ihre erfolgreiche Ex-Freundin Maya (Molly Gordon (kennt man bspw. aus Booksmart)) und besagten Sugar Daddy Max. Dianna Agron (bekannt aus der Fernsehserie Glee) ist ebenfalls mit dabei. Daraus entspinnt sich eine nervenaufreibende Story, die beim Entfalten immer unangenehmer zu schauen wird.

Der Trailer vermittelt den Eindruck, dass einen ein Thriller erwartet, ganz so ist es aber nicht. "Lady Bird trifft Alfred Hitchcock" habe ich irgendwo gelesen und ganz so abwegig ist das gar nicht. Shiva Baby ist im Herzen ein Coming-of-Age-Film, der mit Horror-Elementen spielt, um den Stress, den die Protagonisten auf der Feier erfährt, wiederzugeben. Hierbei sind vor allem Kameraarbeit und Schnitt hervorzuheben. Die klaustrophobischen Szenen auf der Partie, zwischen all den Menschen, wo die Kamera sich nur auf das Gesicht von Danielle fokussiert, sind teilweise schon sehr fesselnd.  Auch die Musik von Ariel Marx trägt mit gezupften Geigen ferner zum beklemmenden Erlebnis bei.

Das Skript hat ebenfalls eine paar Einfälle, um mit kleinen Details, die Situation noch peinlich-unangenehmer werden zu lassen. Auch die ganzen Dialoge wirken wie kleine Messerstiche. Wie die Eltern sie betüddeln und bevormunden und am liebsten noch auf der Party verheiraten möchten oder die Familienmitglieder, vor denen sie sich dauerhaft für ihre Zukunft oder ihr Gewicht rechtfertigen muss.

Rachel Sennot spielt das alles ganz ganz toll. Manchmal verharrt die Kamera auf ihrem Gesicht, während sich verschwommen im Hintergrund eine Szene abspielt. So erfahren die Zuschauenden hautnah die Reaktion von ihr, mit all dem Stress und der Nervosität. Auch die Chemie zwischen ihr und Molly Gordon stimmt. Der Rest des Castings (auch der Tanten und der Familie) trägt ebenfalls sehr zur Atmosphäre des Films bei.

Beachtenswertes Debütwerk

Emma Seligmann hat hier ein beachtenswertes Debütwerk hingelegt, welches zurecht von allen Seiten viel Lob abbekommt. Ich habe letztens Uncut Gems (mit Adam Sandler auf Netflix) gesehen und vom Stress- und Spannungsfaktor her, geht auch Shiva Baby in die Richtung. Übergeordnete Themen wie Emanzipation und Selbstfindung finden in dem kurzen Film auch genügend Platz.

Ein weiterer Film von Emma Seligmann mit Rachel Sennott ist bereits in der Mache und trägt den Arbeitstitel "Bottoms". Auch der Inhalt klingt vielversprechend: "Follows two unpopular queer girls who start a fight club to have sex before their high school graduation." Habe ich Bock drauf und bin gespannt, was uns in Zukunft noch von ihr erwartet. Shiva Baby kann man sich nun bei MUBI anschauen.

Was ist MUBI? (#notsponsered)

Eine gute Frage, die ich mir auch gestellt habe, als ich vor ein paar Wochen beim "Zwei wie Pech und Schwafel" Podcast von David Hain und Robert Hofmann zum ersten Mal davon gehört habe. MUBI ist in erster Linie Streaminganbieter (aber auch Produktionsfirma und Filmverleih), der eher Klassiker, Arthouse, Nischen- und Festivalfilme in sein Programm aufnimmt. Täglich kommt ein neuer, handverlesener Film ins Programm, welches momentan über 1100 Filme für euch bereit hält. Soweit ich gesehen habe, gibt es die Filme immer in Originalsprache wahlweise mit Untertitel, manchmal auch auf Deutsch. Die Mitgliedschaft kostet 9,99€/Monat (oder 71,88€/12 Monate; wer im Netz ein wenig schaut, bekommt aber auch über 12 Monate kostenlos). Es gibt Apps für die gängigen Geräte, ich habe bisher aber nur über den Browser geschaut und da ist mir nichts negatives aufgefallen. Zudem hängt an MUBI noch eine Art soziales Netzwerk dran, um sich über Filme auszutauschen und ein tägliches Filmmagazin namens Notebook gibt es ebenfalls.

Hier mal eine Auswahl an Highlights, die ihr Stand heute (15.06.2021) dort abrufen könnt: Fight Club von David Fincher, M von Fritz Lang, einige Filme der französischen Filmemacherin Agnès Varda, Songs My Brothers Taught Me von der frisch gebackenen Oscar-Gewinnerin Chloé Zhao oder Incendies ein früherer Film von Denis Villeneuve. Lohnt sich insgesamt nicht für alle, aber diejenigen, die sich tiefergehend für Filme interessieren, könnten hier für sich eine Goldgrube finden.

Weiterlesen:

• Gruppenbild mit Sugardaddy (Anke Sterneborg, Sueddeutsche.de)
• Meet the Young Queer Director Behind Shiva Baby (Matthew Jacobs, www.thecut.com)
• SHIVA BABY (Mubi.com)

Regisseur Steven Soderbergh (Oceans-Trilogie, Contagion) ist verantwortlich für die Produktion, die in diesem Jahr an verschiedenen Orten stattfindet. Zum einen im Dolby Theatre, wo auch die vorherigen Verleihungen stattgefunden haben. Der Fokus dürfte aber auf der Union Station in Downtown L. A. liegen. Dort sollen die Laudator*innen und Nominierten vor der Kamera zu sehen sein, ebenso wie in weiteren Locations (z. B. in London), an denen sich die Schauspielenden einfinden, um vor die Kamera zu treten (und um mögliche Zoom-Komplikationen, wie bei anderen Verleihungen zu verhindern).

Wo bekommt man die Filme überhaupt zu sehen?

Das leidigste Thema für uns in Deutschland ist in diesem Jahr zu einem noch größeren Problem geworden. Normalerweise laufen die nominierten Filme ja auch schon kurz vor der Verleihung bei uns im Kino an. Das wird in diesem Jahr nicht der Fall sein, da die Kinos hierzulande weiterhin ihre Pforten geschlossen halten müssen. Von den acht Nominierten für den besten Film lassen sich nur drei der Filme auf unbeschwerliche Weise schauen (Amazon mit Sound of Metal und Netflix mit Mank & Trial of the Chigago 7). Bei dem Rest wird man abwarten müssen, wann und in welcher Weise (Streaming vs. Kino) sie bei uns überhaupt erscheinen. Ansonsten bekommt ihr die Filme nur mittels einem VPN und diverser Plattformen in den USA zu sehen.

Immerhin stehen viele andere nominierte Filme auf den diversen Plattformen zum Abruf bereit (Amazon Prime (One Night in Miami, Borat Anschluss Moviefilm), Netflix (Ma Rainey’s Black Bottom, Neues aus der Welt, Pieces of a Woman), Disney+ (Soul, Mulan), Apple TV+ (Wolfwalkers, Greyhound), .. ).

Fragliche Nominierungen und Nichtbeachtungen

Auch in diesem Jahr gibt es wieder so einige Filme, die vielleicht mehr Beachtung hätten finden dürfen. TENET, damals als vermeintlicher Kinoretter gefeiert, findet der Film bei den Oscars in diesem Jahr kaum Beachtung. Dabei sind die Bilder und auch die Filmmusik mindestens eine Nominierung wert gewesen. Auch kleinere Filme haben es oft schwer. So hätte ich es mir sehr gewünscht, dass z. B. Sidney Flanigan für ihre Rolle in Niemals, Selten, Manchmal, Immer eine Erwähnung gefunden hätte.

Überrascht hat mich vor allem die Nominierung von Thomas Vinterberg (seine Reaktion darauf) für Der Rausch (Another Round). Gerne hätte hier ebenso eine Nominierung für Mads Mikkelsen als Bester Hauptdarsteller und ebenso als Bester Film geben dürfen. Ähnliches gilt für One Night in Miami. Bei einigen Nominierungen habe ich mich auch wieder gefragt, warum diese und jene es denn auf die Liste geschafft haben. Aber hey, am Ende ist es auch "nur" ein Filmpreis. Dennoch ist es der wichtigste Filmpreis der Welt und er gibt einigen Filmen nochmal einen kleinen Boost.

Favoriten?

Mank mit 11 Nominierungen geht natürlich als Favorit ins Rennen, wird aber mutmaßlich nur einen Preis mit nach Hause nehmen. Größter Abräumer dürfte Nomadland von Chloé Zhao werden. Einige Kategorien sind im Rennen sogar noch komplett offen (Bester Schnitt, Beste Hauptdarstellerin) und ich bin gespannt, wer am Ende das Rennen macht.

• Bester Film: Ich hoffe sehr auf Nomadland. So einen Film hätte ich mir früher gar nicht angesehen, mittlerweile gehören sie mit zu meinen Allerliebsten. Ich hoffe sehr, den Film dann demnächst in DE im Kino zu sehen (Kinostart war eigentlich der 08. April) und dann schreibe ich auch nochmal etwas darüber.
• Beste Regie: Um Chloé Zhao wird man in diesem Jahr nicht drum herumkommen. Ich habe mir auch die anderen Filme ihrer Filmographie angesehen, die ähnlich gefilmt wurden und fand diese ebenfalls faszinierend. Ihr neuester Film steht ebenfalls in den Startlöchern: Ende November 2021 soll Marvels Blockbuster The Eternals starten und ich bin sehr gespannt, wie viel man von ihrer DNA in dem Film wiederfinden wird.
• Beste Hauptdarstellerin: Ich glaube, dass das hier einer der schwersten Kategorien zum Voraussagen ist. Die wichtigsten Preise im Vorfeld wurden jeweils von einer anderen Frau gewonnen. Carey Mulligan scheint im Rennen vorne zu sein, aber ich würde auch alle anderen nicht abschreiben.
• Bester Hauptdarsteller: An Chadwick Boseman kommt man nach seinem Tod einfach nicht vorbei. Es wäre die letzte Chance für ihn überhaupt einen Oscar zu gewinnen und er ist für die Community eine sehr wichtige Figur. Seine Performance war auch nicht schlecht, nur ohne seinen Tod hätte der Oscar auch bei Riz Ahmed oder Anthony Hopkins landen können.

ProSieben überträgt live

ProSieben wird in der Nacht von Sonntag (25.04.21) auf Montag (26.04.21) die 93. Oscarverleihung zeigen. Steven Gätjen und ProSieben (als eines von zehn internationalen Fernsehteams, neben zwei nationalen) wird ab 0:40 Uhr live vom roten Teppich berichten, bevor um 02:00 Uhr die eigentliche Verleihung startet, die voraussichtlich bis 05:00 Uhr in der Früh andauern wird.

Ungewollte Schwangerschaft und Abtreibung sind sehr sensible und vielschichtige Themen. In vielen Ländern der Welt ist es Frauen bis heute verboten einen Schwangerschaftsabbruch durchführen zu lassen. Schauplatz des Films ist in den Vereinigten Staaten, wo seit Jahrzehnten ebenfalls ein erbitterter Kampf über das Thema tobt.

Zunächst sucht sich Autumn alleine Hilfe in einem Krisenschwangerschaftszentrum, welches ihr falsche Angaben zur Schwangerschaft macht, was sie erst später herausfindet. Auch ist für eine Abtreibung in ihrem Heimatbundesstaat Pennsylvania die Zustimmung der Eltern erforderlich. Auf eigene Faust reist sie dann mit ihrer Cousine Skylar nach New York, wo man auch ohne die Einwilligung der Eltern Hilfe bekommen kann.

Intimes Porträt

In dem Film steckt aber noch so viel mehr. Eliza Hittman beleuchtet die schwierigen Themen sehr gut und nuanciert. Sie zeigt auf, wie schwer Mädchen und Frauen es haben ihre freie Entscheidung durchzusetzen. Immer mit einem Auge fürs Detail und Schwerpunkt auf dem Wesentlichen. Teilweise hatte ich das Gefühl ich sehe eine Dokumentation, so real und intim fühlte sich das Geschehen an. Am meisten beeindruckt hat mich die sehr ruhige Erzählweise. Viele Details, die nebensächlich relevant sind, werden nur sehr subtil angedeutet. Dabei kommt er streckenweise komplett ohne Dialoge aus und verlässt sich auf Blicke, Gesichtsausdrücke, andere Feinheiten und einfach Stille, die mit einer sehr intensiv-begleitenden Kamera von Französin Hélène Louvart gefüllt wird. Dadurch bekommt das Ganze eine fast unheimliche Stille, die einen gebannt mitfühlen lässt.

Sowohl für Sidney Flanigan, als auch Talia Ryder ist es ihr Filmdebüt, die beide exzellente Leistungen abliefern und großen Anteil daran haben, warum mich der Film so gefesselt hat. Durch die sehr nahe Kameraarbeit bekommt der Zuschauende jede kleinste Emotionsveränderung mit und die beiden haben für mich einfach komplett abgeliefert. Die Schauspielerinnen bekommen wir demnächst hoffentlich öfter zu sehen. Talia Ryder werdet ihr Ende 2021 in Steven Spielbergs Neuverfilmung des Musicalklassiker West Side Story wiedersehen.

Wieder einmal ist es auch eine titelgebenden Szene, die dermaßen herzzerreißend ist. Dort soll Autumn die Fragen einer Ärztin mit "Niemals, Selten, Manchmal, Immer" beantworten. Gedreht als One-Shot wirkt das so echt, so greifbar und man fühlt einfach mit. Respekt nochmal an Sidney Flanigan, die Szene war einfach unglaublich.

Sprachlosigkeit

Es ist einer dieser feinen Filme, die mich sprachlos zurücklassen. Das Gesehene musste ich während und nach den Credits (zum Song "Staring At A Mountain" von Sharon Van Etten, die auch Autumns Mutter spielt) erst einmal verdauen. Ein schwieriges, aber wichtiges Thema, auf das weiter aufmerksam gemacht werden muss und welches in Niemals Selten Manchmal Immer einfühlsam eingefangen wurde.

Der Film müsste auch morgen (01.10.2020) endlich in die deutschen Kinos kommen. "Leider" ist es ein Indie-Streifen, weswegen ihr schauen müsst, ob ihr ihn in eurer Nähe zu sehen bekommt. Mainstream-Kinogänger werden mit dem Film eh weniger Spaß haben. Für all diejenigen, die sich emotional mal auf etwas neues einlassen wollen und sich für gute filmische Arbeit begeistern können, kann ich Niemals Selten Manchmal Immer nur wärmstens empfehlen.

Traumbesetzung

Nach Lady Bird ist es gerade einmal die zweite Regiearbeit von Greta Gerwig. Und ich bin jetzt schon Feuer und Flamme für ihre nächsten Projekte. Ein bekanntes davon ist ein Realfilm über eine der bekanntesten Puppen der Welt: Barbie. Sie soll die Regie übernehmen und zusammen mit ihrem Partner Noah Baumbach das Drehbuch schreiben. Für die Hauptrolle als Barbie ist Margot Robbie vorgesehen.

Aber nun erstmal zurück zu Little Women. Einen besseren Cast für diesen Film hätte es wohl nicht geben können. Dabei stechen für mich vor allem zwei Damen besonders hervor, die beide für ihre Leistungen zurecht eine Oscar-Nominierung bekommen haben. Zum einen Saoirse Ronan (<3!), welche mit Jo die kämpferische und progressive der Schwestern verkörpert. Mit ihr hat Greta Gerwig auch schon im wunderschönen Lady Bird zusammen gearbeitet. Ich finde sie unglaublich und sehe sie extrem gerne spielen. Sie hat einfach etwas besonderes an sich und ist für mich eine der ganz großen für die Zukunft. Zum anderen fand ich Florence Pugh ebenfalls herausragend. Sie spielt die sture, kunstbegabte und jüngste Schwester Amy und ist dabei so wandelbar und verdammt umwerfend. Sie sollte man für die Zukunft ebenfalls auf dem Radar haben. Große Liebe für die beiden.

Die selbstlose und musikalisch Beth wird gespielt von Eliza Scanlen. Achja und Emma Watson als Meg, die eher den konventionellen Weg geht, ist auch noch dabei. Sie drängt sich nicht zu sehr in den Vordergrund und fügt sich bestens ins Bild ein. Weiterhin mit dabei ist Nachbarsjunge Timothée Chalamet (ebenfalls bekannt aus Lady Bird oder auch Call Me By Your Name), der sich mit ganz viel Charme momentan in sämtliche Zuschauerherzen spielt.

Daneben noch Laura Dern als Mutter Marmee (schaut euch Marriage Story an), Bob Odenkirk (Breaking Bad) und Chris Cooper. Die alte und reiche Tante der Schwestern wird gespielt von Meryl Streep. Zu ihr brauche ich wohl nichts weiter sagen. Sie taucht komplett in ihre Rolle ein. Schauspiel in Perfektion, sowohl bei ihr als auch bei den anderen.

Liebe im Überfluss

Der Film begleitet die vier March-Schwestern beim Übergang vom Jugend- ins Erwachsenenalter. Wie eingangs erwähnt, sind sie anders. Eine möchte Schriftstellerin werden, eine andere Schauspielerin. Emanzipation im 19. Jahrhundert war aber nun einmal nicht so leicht und für eine Frau gab es eigentlich nur einen Weg: Heiraten.

Gerwig erzählt die Geschichte innerhalb von zwei Zeitlinien, die man durch unterschiedliche Farbgebungen gut auseinander halten kann. Dadurch ensteht ein sehr rhythmischer und schneller Film, der die verschiedenen Geschichten der vier Schwestern miteinander verwebt. Hier passt und greift wirklich jeder Handlungsstrang in den nächsten und es harmoniert alles wundersamerweise miteinander. Gerwig ist eine brillante Regisseurin und hätte die Oscar-Nominierung mehr als verdient (shame on you Academy).

Es dauert nur wenige Augenblicke, da ist man auch schon von der Handlung verschlungen worden und fühlt sich als eine der Schwestern. Wirklich. Die Charaktere wirken so authentisch und man geht emotional voll mit ihnen mit. Niemals kitschig, dafür in vielen Momenten sehr romantisch und berührend und über den Film hinweg immer mitreißend. Allein schon diese Tanzszene war magisch! Manchmal wusste ich gar nicht wohin mit meinen Gefühlen und war gegen Ende regelrecht überwältigt. Sehr herzerwärmend und wie ein Injektion von reinem Glück direkt in den Körper. Meine Empfehlung für Fans des Romans, einer der alten Filme oder falls euch der Trailer auch nur annähernd anspricht: Schaut euch den Film an!

Der Roman ist übrigens lose inspiriert vom Leben der Autorin Louisa May Alcott selbst. Sie hat den Roman in den 1860ern geschrieben und hat wie ihre Hauptfigur Jo im Buch ebenfalls drei Schwestern. Auch weitere Handlungsdetails passen zu ihrer Geschichte. Daran sieht man mal wieder: Die besten Geschichten schreibt das Leben selbst.

Achja: Ich bastel übrigens gerade an meinem Letterboxd-Account.

Der schönste: Porträt einer jungen Frau in Flammen

Kein Film hat mich dieses Jahr so sprachlos zurückgelassen wie Porträt einer jungen Frau in Flammen. Auch 2 Stunden nach Filmende war ich immer noch wie paralysiert und auch jetzt denke ich gerne an dieses intensive und wunderschöne Kinoerlebnis zurück.

Der perfekteste: Parasite

Der in allen Belangen perfekteste Film des Jahres 2019 ist für mich Parasite von Bong Joon-ho. Die schauspielerische Leistung, der Look, die Kamera, die Sets, das Sounddesign oder die Story: Hier passt einfach alles zusammen.

Der nahegehenste: Marriage Story

Adam Driver und Scarlett Johansson, inszeniert von Noah Baumbach, spielen sich in dem Trennungs-Drama Marriage Story gegenseitig an die Wand, welches sehr echt und nahbar von all den Schmerzen, Anstrengungen und Schwierigkeiten einer Trennung erzählt.

Der monumentalste: The Irishman

The Irishman, ein Film, der ohne die Finanzierung von Netflix nicht zustande gekommen wäre. Martin Scorsese, Robert De Niro, Joe Pesci und Al Pachino. Eine melancholische Mafia-Geschichte mit einer gemeinsamen, letzten, großen Verneigung der vier älteren Herrschaften.

Der eindringlichste: Joker

Arthur Fleck ist ein armer, von der Gesellschaft verstoßener Clown, der doch nur die Menschen zum Lachen bringen möchte. Regisseur Todd Philipps ergründet mit einem grandiosen Joaquin Phoenix die möglichen Anfänge von Batmans größtem Widersacher Joker.

Der gigantischste: Avengers: Endgame

Ein Comicbuch zum Leben erwacht. 22 Marvel-Filme finden ihren vorläufigen Höhepunkt vereint in Avengers: Endgame. Ein wirklich gigantisches CGI-Spektakel und mit fast 2,8 Milliarden Dollar der finanziell erfolgreichste Filme bis hierhin.

Der weihnachtlichste: Klaus

Und noch einmal Netflix. Klaus ist eine tolle Weihnachtsgeschichte, welche mit viel Herz, Witz und Leidenschaft zum Leben erweckt wurde. Ein einzigartiger Animationsstil, der handgezeichnete Figuren und Szenerien mit moderner CGI-Technik kombiniert.

Und sonst so?

Ich fand das Filmjahr ziemlich gut. Die neuen Player Amazon und Netflix bringen mittlerweile auch brauchbare bis sehr gute Filme in ihre Portale und auf die Kinoleinwände. Und auch die Liste von Filmen, die ich nicht im Kino gesehen habe, ist noch erschreckend lang. Der Animationssektor war mit Filmen wie Toy Story 4 oder Drachenzähmen leicht gemacht gut besetzt. Ad Astra dürfte die Sci-Fi-Gemeinde erfreut haben. Der Leuchtturm von Robert Eggers ist etwas für eingefleischte Cineasten. Ferrari vs. Ford soll ebenfalls sehr gut sein. Midsommar von Ari Aster ein Fest für Horror-Freunde. Vergessen sollte man ebenfalls nicht die Filme, die gerne zu 2018 gerechnet werden, obwohl der Kinostart in Deutschland erst 2019 war. Dazu zählen zum Beispiel Green Book (Oscar als Bester Film, abrufbar auf Netflix), The Favourite oder VICE.

Ausblick auf das Kinojahr 2020

Auch das Kinojahr 2020 startet spannend. In 1917 wird Regisseur Sam Mendes die Geschichte zweier Soldaten im ersten Weltkrieg erzählen. Erstmal nicht weiter spannend. Das besondere hierbei ist, dass der Film als One-Shot so aussieht, als gäbe es keinen einzigen Schnitt.

Mit Little Women wird die mittlerweile siebte Verfilmung des gleichnamigen Buches von Louisa May Alcott auf die Kinoleinwand kommen. Regier führt Greta Gerwig mit Saoirse Ronan in einen der Hauptrollen, die auch schon in Lady Bird (ebenfalls von Gerwig) einfach fantastisch war. Weitere Rollen sind mit Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Timothée Chalamet und Meryl Streep ebenfalls großartig besetzt.

Zudem erscheinen mit Dune (Dennis Villeneuve), Top Gun: Maverick (Joseph Kosinski) und Tenet (Christopher Nolan) weitere Blockbuster auf die ich mich sehr freue. Zusätzlich natürlich noch die jährliche Dosis an Marvel- und DC-Filmen wie Black Widow, Wonder Woman 1984 oder auch Birds of Prey. Aber ich werde natürlich weiter die Augen nach schönen Arthouse-Perlen und kleineren Filmen aufhalten. Wer hier noch einen Tipp hat, wie man am besten auf kleine Filme aufmerksam wird, dem wäre ich sehr dankbar.