Batman im zweiten Jahr

Der noch junge Bruce Wayne befindet sich erst in seinem zweiten Jahr als Batman. Das macht ein Tagebuch deutlich, aus dem wir im Film per Voiceover zu hören bekommen. An Halloween taucht plötzlich ein Serienmörder auf, der sich selbst der "Riddler" nennt (oder einfach so bezeichnet wird?) und Batman von einem Rätsel zum nächsten führt. Gemeinsam mit Lieutenant James Gorden geht Batman auf Spurensuche in die dunkelsten Ecken von Gotham City und trifft dabei auf seine Vergangenheit. Soweit zum Plot, den man eigentlich nicht weiter ausführen muss.

Wenn man das detektivische von Filmen wie "Sieben", den Film-Noir-Stil wie zum Beispiel von "Taxi Driver" und die Figur Batman in einen Mixer steckt, erhält man für mich The Batman. Viele haben auch "Zodiac – Die Spur des Killers" genannt, den habe ich bisher nur leider noch nie gesehen. Er ist deshalb auch kein Superheldenfilm, sondern eher Detektivthriller. Dafür wird viel wert auf die Atmosphäre gelegt und dieses düstere Gotham lies sich noch nie so gut erleben, wie in diesem Film. Actionszenen werden nur sehr dosiert eingesetzt, dafür immer gekonnt und erinnerungswürdig. Vor allem die Verfolgungsjagd hat mich mit offenem Mund zurückgelassen. Das war insgesamt die beste Actionszene des Films und mich würde stark interessieren, wie sie die Szene gedreht haben.

Stellenweise wird der Film aber auch ruhig und hält mit der Kamera mal länger auf Gesichter, um die Gedanken und psychischen (Ab-)Gründe der Figuren erfahrbar zu machen. Hinten raus hatte er mir ein bisschen zu viel Länge. Um das abschließend beurteilen zu können, müsste ich mir den am besten noch ein weiteres Mal ansehen.

Technisch eindrucksvoll

Regie führte Matt Reeves, der sich für zwei Filme der letzten Planet der Affen-Trilogie verantwortlich zeichnete. Im Blockbuster-Bereich also ein Mann, dem man vertrauen kann. Die Dialoge hatten ihren Reiz, die drei Stunden wurden immer gut gefüllt und fühlten sich nie zu langatmig an. Die Kameraarbeit stammt von Greig Fraser, den ich auch schon bei Dune in den höchsten Himmel gelobt habe. Diesmal mit weniger klaren und weiten Shots, dafür alles sehr nah dran, sehr beengend und mit insgesamt ungewohnt viel Tiefenschärfe bzw. Unschärfe, die unseren Blick auf gewisse Details konzentrieren lässt. Dadurch bekommen ein paar Einstellungen einen Horror-artigen Touch, auch wenn sich durch die FSK 12 Freigabe vieles bei euch im Kopf abspielt.

Interessant ist auch, dass die aus The Mandalorian (auch hier hat Fraser als Kameramann mitgewirkt) bekannte StageCraft-Technologie ebenfalls in The Batman verwendet wurde. Während es mir bei den Star-Wars-Serien schon das ein oder andere Mal aufgefallen ist, verschwimmen die Grenzen in The Batman zwischen visuellen Effekten und echten Sets aber so gut, dass es alles schlichtweg atemberaubend und passend aussieht.

Das Sounddesign ist noch so ein Hauptgrund für den Kinobesuch. Wenn zum ersten Mal das Batmobil auftaucht, garantiere ich euch einen Schauer, der über eure Körper läuft. Die Schläge in den Actionszenen hatten die nötige Wucht, um die gezeigten Bilder zu unterstützen und selbst so Details wie das Abrollen eines Klebebands krochen so unangenehm ins Gehör. Und zum Score von Michael Giacchino, der euch schon von der Eröffnungsszene in den Bann zieht, muss ich gar nicht viele Worte verlieren. Das müsst ihr hören und erleben.

Casting on point

Nach all den Filmen, die Robert Pattinson in den letzten Jahren gemacht hat, sollten nun auch die Letzten verstanden haben, dass er ein versierter Schauspieler ist. Als noch unsicherer Batman verschwindet er in den Schatten Gothams und seiner finsteren Psyche. Mal nicht als Playboy, sondern angelehnt an Kurt Cobain als kaputter und orientierungsloser Batman war das eine gelungene Darstellung.

Selina Kyle alias Catwoman wurde durch Zoë Kravitz vielleicht noch nie besser porträtiert. Ihr Story Arc fühlte sich im Film stellenweise gehetzt an, aber ihre Interpretation und Darstellung passte für mich wunderbar. Paul Dano als Riddler ist ein absoluter Psychopath. Dank der Make-Up-Abteilung verschwindet Colin Farrell glatt in seiner Rolle als Pinguin. John Turturro als Carmine Falcone fand ich anfangs irritierend, aber wenn man sich die Comic-Vorlagen anschaut, ist auch das eine gute Wahl. Nur seine Figur blieb für mich etwas zu blass.

Kinobesuch lohnt sich

Ich kann mir vorstellen, dass manche etwas "enttäuscht" sind, weil sie einen Popcorn-Blockbuster erwartet haben, der hier aber nur bedingt geboten wird. Als ich im Kino war, saß im Kinosaal auch ein Vater mit seinem vielleicht 12 Jahre alten Sohn. Ich kann mir vorstellen, dass der Junge die Comics gelesen hat und in den Actionszenen war er auch voll dabei. Bin aber auch der Meinung, dass er den Film in den tieferen Ebenen gar nicht richtig (be-)greifen konnte. Auch hat der Film eben viele ruhige Momente. Daher bin ich gespannt, wie der Film beim Publikum ankommt und wie er im Vergleich an der Kasse abschneidet. Weitere Kinofilme und Spin-Off-Serien (eine Serie rund um den Pinguin ist bereits bestätigt) könnten/werden folgen.

Falls ihr Bock auf Batman habt und euch auf eine dunkle Detektivstory einlassen könnt, solltet ihr euch diesen Film nicht im Kino entgehen lassen. Die Bilder und der Sound wirken zuhause höchstens halb so gut. Beim Hören des Scores sind mir heute direkt wieder Bilder durch den Kopf geschossen (die Szene mit der Leuchtfackel die auch sehr symbolisch ist, die Unterhaltung von Batman und Catwoman auf dem Dach, die Verfolgungsjagd auf dem Highway), die ihr einfach im Kino erlebt haben müsst. Und Kinobesuche sind sowieso immer etwas schönes.

Im letzten Jahr habe ich mir zum ersten Mal die komplette Filmografie von Paul Thomas Anderson innerhalb weniger Tage zu Gemüte geführt. Mein erster Film von ihm war Der seidende Faden, der mich irgendwie fasziniert hat, ich ihn aber gleichzeitig nicht ganz greifen konnte. The Master fand ich insgesamt am schwierigsten, Boogie Nights ging am leichtesten rein. Dafür schaffte es Magnolia direkt in meine Top 10 aller Zeiten. Für mich ist der Film ein Geniestreich sondergleichen. So war Licorice Pizza für mich ein Pflichttermin im Kino.

San Fernando Valley, 1973

Der 15-Jährige Schüler Gary Valentine trifft bei einem Fototermin auf die 25-Jährige Fotoassistentin Alana Kane. Für ihn war es Liebe auf den ersten Blick und er ist überzeugt davon sie in Zukunft zu heiraten. Alana ist zunächst gar nicht angetan von dem selbstbewussten Jüngling, der aber anders scheint als andere Jungs in seinem Alter. Gary führt in seinen jungen Jahren schon ein Unternehmen, er ist Schauspieler und denkt ihm gehöre die Welt. Alana hingegen hat noch keinen Stand im Leben gefunden, hangelt sich von Job zu Job, möchte ausbrechen und Normen sowie Erwartungen hinter sich lassen. Die typischen Probleme beim Erwachsenwerden.

Best depiction of the transition between "I can do anything, I have my whole life ahead of me!" and "I’ve wasted my life, I can’t do anything!" – ie, being 15 and being 25 – that I’ve ever seen.

David Weigel

Wachsendes Interesse

Nach und nach genießt sie sein Begehren und es entspinnt sich ein gegenseitiges An- und Abstoßen der beiden. Wo viele andere Filme sich an Handlung und Exposition abarbeiten, erzählt PTA seine Geschichten anhand der Figuren. Allein diese Andersartigkeit macht den Film schon besonders. Dabei sollte man alles gar nicht so sehr hinterfragen, sondern einfach die Augenblicke genießen. Man weißt zum Beispiel nicht, ob nun drei Jahre oder nur wenige Monate im Film vergehen. Braucht es auch nicht, da wir dem Film eh alles glauben und das Gefühl für Zeit einfach verloren geht.

Dabei gelingt es PTA auf leichteste Art Momente zu kreieren und einzufangen, die fast wie nebenbei gefilmt wirken. Es ist schon die Virtuosität der Eröffnungsszene mit der gleitenden Kamera, die zwischen Alana und Gary hin und her tänzelt und uns direkt in diese Beziehung hineinwirft. Neben Regieführung, schrieb PTA auch das Drehbuch, produzierte den Film mit und war wieder einmal mit als Kameramann tätig.

Gedreht wurde der Film auf 35mm Analogfilm. Zusammen mit der 70mm Projektion im Savoy in Hamburg (keine Werbung, einfach ein tolles Kino) hatte man auch direkt das Gefühl in den 1970ern verloren gegangen zu sein und sich in dieser Zeit einen Film anzuschauen. Die immer passende Musikauswahl funktionierte hervorragend, um den Nostalgiefaktor weiter aufzubauen und viele Szenen durch die Musik nochmal in neue Höhen zu treiben. Als Alana am Anfang aber von ihrem Arbeitgeber einen Klaps auf den Po bekommt, wird klar, dass die Zeit nicht immer so rosig war, wie wir sie in Erinnerung halten. Das wird auch an weiteren Stellen im Film aufgegriffen.

Zwei Filmdebütierende

Cooper Hoffmann, Sohn des leider viel zu früh von uns gegangenen Philip Seymour Hoffman, hat hier seine erste Filmrolle, ebenso wie Musikerin Alana Haim. Ihr kennt sie vielleicht als Teil des Schwestern-Musik-Trios HAIM (hier reinhören: "Want You Back"; Regisseur PTA hat mehrere ihrer Musikvideos inszeniert). Auch sie gibt in Licorice Pizza ihr Filmdebüt. Beide entsprechen nicht dem typischen Hollywood-Ideal, sondern wirken eher wie die zwei aus der Nachbarschaft. Das macht es aber umso glaubwürdiger und mehr aus dem Leben gegriffen. Zudem spielen beide ihre Rollen mehr als überzeugend. Cooper Hoffmann hat natürlich riesige Fußstapfen zu füllen, das traue ich ihm nach der Performance aber zu.

Der Name Licorice Pizza entstammt einer ehemaligen Kette von Plattenläden in Los Angeles.

Auch gestandene Hollywood-Größen sind in Nebenrollen zu sehen. Bradley Cooper imitiert den exzentrischen Jon Peters, den damaligen frischen Liebhaber von Barbara Streisand. Wann immer er auf der Leinwand zu sehen war, kam man aus dem Grinsen gar nicht mehr heraus (Oscar-Nominierung wo?). Sean Penn und Tom Waits, deren Figuren auf großen Namen im Filmbusiness basieren, lassen das alte Hollywood mit einem Motorradstunt wieder aufleben. Und Benny Safdie spielt als Politiker eine kleine Rolle.

Auch die Eltern und die Schwestern von Familie Haim kommen im Film vor und spielen passenderweise die Familie von Alanas Figur. Und da kommen wir nochmal zum Star des Films: Alana Haim. Ihr Schauspiel ist so elektrisierend-furchtlos, dass sie sich auch nicht hinter den Hollywood-Größen verstecken muss. Sie strahlt so viel Sympathie und Energie aus, dass es wirklich Spaß machte ihr zuzuschauen. Auch gehört ihr mit die beste Sequenz im Film, in der sie einen Möbeltransporter steuert, der ohne Benzin rückwärts die Straßen herunterrollt. Das ist spannender inszeniert als in diversen Actionfilmen. Ich bin super gespannt, ob und wie es mit ihrer Schauspielerinnen-Karriere weitergeht.

Kino zum Verlieben

Zufriedener werde ich mit dem Text leider nicht mehr und es sind wieder viel zu viele Worte dafür draufgegangen. Ich würde den Film auch am liebsten direkt ein weiteres Mal sehen. Licorice Pizza ist ein Gefühl, das man selber erlebt haben muss und entweder packt es dich oder es lässt dich kalt. Mich hat er von der Eröffnungsszene, über all die Momente bis zum Schluss total mitgerissen und bekommt bei mir jetzt schon einen Platz in den Top 5 für dieses Jahr. Die Coming-of-Age Story mit der Liebelei der beiden ist herzallerliebst inszeniert, Alana Haim verkörpert dieses nervöse, leicht flippig-genervte in der unsicheren Zeit des Erwachsenwerdens in Perfektion und dieses Abtauchen in die 1970er macht einfach Lust in dieses Jahrzehnt zurückzureisen. Das alles aus den Händen von einem Mann, der sein Handwerk einfach versteht. Kino zum Verlieben.

Bandenkrieg und Liebe

Im Broadway Klassiker von Leonard Bernstein (Musik), Stephen Sondheim (Lyrics) und Arthur Laurents (Buch) stehen sich in New York der 1950er zwei rivalisierende ethnische Gangs gegenüber: die US-amerikanischen Jets, angeführt von Riff und die puerto-ricanischen Sharks, angeführt von Bernardo. Mittendrin entspinnt sich eine Liebesgeschichte zwischen dem ehemaligen Anführer der Jets "Tony" und der Puerto-Ricanerin "Maria", der Schwester von Bernardo, wodurch sich die Spannungen der beiden Gruppen nur noch weiter verstärkt. Heruntergebrochen ist es angelehnt an die Shakespeare-Tragödie "Romeo und Julia".

Meistermann Steven Spielberg

Ein Vergleich mit der Filmversion von 1961 ist natürlich sinnvoll, obwohl auch der Film erstaunlich gut gealtert ist und heutzutage noch immer modern aussieht. Auch dort stachen die Kamerafahrten und die Ensembleleistung sehr heraus. Allerdings fühlt es sich mehr an, wie eine Theaterinszenierung in einem leeren New York. In der Version von 2021 fühlt sich alles deutlich lebendiger an. Die Straßen sind bevölkert, es gibt deutlich mehr Setpieces und kleineren Ideen und alles ist einfach mit der fünffachen Größe inszeniert worden. Die Reihenfolge der Szenen wurde etwas geändert und auch einige (politisch) bissigere Kommentare mehr schafften es ins Skript. Auch das Sounddesign kommt deutlich druckvoller und düsterer daher.

Bei dem Namen Steven Spielberg kann man natürlich auch einiges erwarten und er liefert so was von ab. Zwischenzeitlich ist es schlichtweg atemberaubend, was er mit seinem langjährigen Kameramann Janusz Kamiński für Szenen kreiert. Nicht nur die typischen langen Takes und die weiten Kameraeinstellungen sind beeindruckend. Auch alles andere. Die Machart wirkt wie aus der damaligen Zeit und die Choreographien sind großartig. Ein kleiner Kritikpunkt von mir wäre, dass einige Sets durch die Lichtsetzung manchmal etwas unnatürlich wirkten.

(Tanz-)Choreographien vom Feinsten

Schon im ersten Drittel kommt man bei der Ballszene in der Turnhalle nicht mehr aus dem Staunen heraus. Wie die Kamera langsam über das Geschehen fliegt, sich dreht und wieder zu den Protagonist:innen zurückkommt, während im Hintergrund Hunderte an Darsteller:innen am wuseln sind, ist fast schon magisch. Dort erblicken sich Maria und Tony das erste Mal. Ebenfalls toll. Aber auch einige einzelne Bilde sind wunderschön. Es gibt eine Szene, in der Ansel Elgorts Figur "Tony" in einer Pfütze vor dem Haus mit der Wohnung von Maria steht. Falls ihr den Film euch mal anschaut, werdet ihr wissen was ich meine.

Die beste Sequenz gibt es zu "America". Das Musikstück an sich ist schon fantastisch, aber verbunden mit der Choreographie, die heraus auf die Straßen getragen wird, bereitete mir massivste Gänsehaut und dieses High-Gefühl im Kino. Meine Augen klebten förmlich auf der Leinwand.

Das Ensemble

Was wäre ein Musicalfilm ohne ein Ensemble, das sein Handwerk versteht und hallelujah waren da einige herausstechende Leistungen dabei. Vom Gesang und Tanz verstanden sie alle etwas und dahingehend ist mir nichts negativ aufgefallen. Die Figur "Tony", gespielt von Ansel Elgort, wirkte etwas hölzern, was sich aber ab der Mitte noch besserte. Rachel Zegler als "Marie" dagegen konnte in ihrer ersten Filmrolle mit ihrer Stimme, die einem zum weinen bringt und ihrer herzlich-offenen Art glänzen. Mike Faist als "Riff" und David Alvarez (einer der jüngsten Tony Award Gewinner) als "Bernardo" stachen als Bandenführer ebenfalls heraus. Einerseits wegen ihre Anführer-Ausstrahlung und ihrer Coolness. Auch Rita Moreno (die EGOT-Preisträgerin hat mittlerweile 90 Jahre auf der Uhr), die in der 1961er Version die "Anita" spielte, bekommt hier eine wichtige und emotionale Rolle.

Der eigentliche Star aber war für mich Ariana DeBose, die "Anita" spielt. Allein mit ihrem Charisma und ihrer puren Energie stahl sie in vielen Szenen allen die Show. Die Ausstrahlung, die Freude, ihre anziehenden Blicke. Das war umwerfend. Auch nach ihrer Golden Globe Prämierung ist sie für mich momentan heiße Anwärterin auf eine Auszeichnung als Beste Nebendarstellerin bei den Oscars.

Glücklich und beseelt

Nach dem Kinobesuch war ich wie verzaubert und musste mich kurz dran gewöhnen, nicht mehr innerlich durch die Straßen New Yorks zu hüpfen. Musicals fand ich immer gut, als Film konnte mich das aber nie ganz packen. Das hat sich im letzten Jahr mit Encanto oder auch tick, tick…BOOM! entscheidend geändert. Auch La La Land habe ich im letzten Jahr das erste Mal gesehen (und dann direkt zweimal), der für mich sogar ein 5/5 Film ist.

West Side Story hat mich trotz des tragischen Endes mit einem warmen Gefühl aus dem Kinosaal entlassen. Die weiten Bilder mit den großen Sets, dem tollen Cast und der Menge an Statisten berauschen die Sinne, die Songs werden von Anfang an spitzenmäßig rübergebracht und insgesamt war das einfach schön anzusehen. Wer Musicals generell mag und mit der leicht theatralische Art und den Tänzen etwas anfangen kann, der sollte sich West Side Story (2021) in jedem Fall anschauen!

Wenn ihr Glück habt, bekommt ihr den Film noch vereinzelnd im Kino zu sehen. Ansonsten kann ich mir gut vorstellen, dass er ähnlich wie andere 20th Century Studios Produktionen (The Last Duel, Free Guy) demnächst auf Disney+ landet.

Wer Lust hat, kann mir bei letterboxd folgen. Da werde ich mal mehr versuchen meine Gedanken zu Filmen festzuhalten und meinen Schreibstil etwas auszubauen. Nachfolgend also meine Liste mit Titel, regieführender Person und meiner Wertung.

1. Dune (von Denis Villeneuve, 5/5)

DAS Sci-Fi-Kinoerlebnis des Jahres. Dreimal gesehen, dreimal aus dem Staunen nicht mehr herausgekommen.

2. Nomadland (von Chloé Zhao, 5/5)

Chloé Zhao zeichnet mit ihrer zärtlichen Handschrift einen naturalistischen und warmherzigen Film über Ängste, Leben und vor allem Menschen, die in einer zutiefst kapitalistischen Gesellschaft nicht mehr gesehen werden.

3. Bo Burnham: Inside (von Bo Burnham, 5/5)

“Healing the world with comedy”. Das beste Erlebnis, welches während der Pandemie, über die Pandemie entstanden ist.

4. Titane (von Julia Ducournau, 4,5/5)

Das abgefahrenste Kinoerlebnis des Jahres. Ein Film, der an die Substanz geht, sowohl emotional, als auch von den gezeigten Bildern.

5. The Green Knight (von David Lowery, 4,5/5)

Anspruchsvolle Fantasy (die nicht jedem gefallen wird) mit atemberaubenden Bildern, aufbauend auf dem Gedicht "Sir Gawain und der grüne Ritter" aus dem Umfeld rund um König Artus.

6. Der Rausch (von Thomas Vinterberg, 4,5/5)

Lebt es sich mit dauerhaften 0,5 Promille im Blut wirklich besser? Vier Männer in ihrer Midlife-Crisis, angeführt von Mads Mikkelsen finden es für euch in dieser Tragikomödie heraus.

7. The Last Duel (von Ridley Scott, 4,5/5)

Zwei Ridley Scott Filme in einem Jahr. "House of Gucci" ist gut, "The Last Duel" ist besser und wichtiger. Aus unterschiedlichen Perspektiven betrachtet, reist der Film mit euch ins Mittelalter und erzählt die wahre Geschichte hin zu einem Duell Mann gegen Mann, aus dem eine Frau als Siegerin hervor geht.

8. Pieces of a Woman (von Kornél Mundruczó, 4,5/5)

Ein intensiver Film über Verlust und Trauer und der Umgang mit einem schrecklichen Ereignis. Vor allem der über 20-minütige One-Take einer Geburtsszene hallt mir immer noch im Kopf nach.

9. Shiva Baby (von Emma Seligman, 4/5)

Coming-of-Age mit einer Prise Horror. Eine skurrile 'Komödie', die einem den Horror einer Feier näher bringt, auf der man nicht sein will.

10. Promising Young Woman (von Emerald Fennell, 4/5)

Carey Mulligan, die angetrunken (meint man zumindest) Männer verführt, die sie ausnutzen wollen, und zuhause angekommen die Situation auflöst. Klingt plump, ist aber im Film umso eindrucksvoller und cleverer inszeniert. Wichtig und bitterböse. Müsste ich nochmal sehen, dann würde er vielleicht noch weiter hochrutschen.

11. Pig (von Michael Sarnoski, 4/5)

Eine Rachethriller, der die Konventionen des Genres gekonnt auf links dreht. Mit Nicholas Cage in der Hauptrolle, dem sein geliebtes Schwein geklaut wird und sich auf Spurensuche begibt.

12. Encanto (von Jared Bush & Byron Howard, 4/5)

Der Film steht für mich für eine Erkenntnis: Ich kann mit Musicals mittlerweile (und endlich!) deutlich mehr anfangen. Encanto erzählt von der Familie Madrigal, die in einem Haus lebt, in dem jedes Familienmitglied, bis auf unsere Protagonistin Mirabel eine besondere Kraft besitzt. Bunt, lustig, mitreißend.

Honorable Mentions (alle 4/5):

• 13. Spider-Man: No Way Home
• 14. The French Dispatch
• 15. Die Mitchells gegen die Maschinen
• Luca
• Don’t Look Up
• Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
• The Summit of the Gods
• Zack Snyder’s Justice League
• The Power of the Dog
• CODA
• The Father
• Minari
• Black Widow
• The Suicide Squad
• tick, tick…BOOM!
• Malcolm & Marie
• The Dig

Filme, die ich noch nicht gesehen habe, aber in der Liste auftauchen könnten:

• Last Night in Soho
• The Lost Daughter

Was erwartet einen in TITANE?

Die ungeliebte Alexia hatte als kleines Mädchen einen Autounfall, woraufhin sie eine Titan-Platte in den Kopf implantiert bekommt. Bei der Entlassung aus dem Krankenhaus merken wir, hier ist etwas anders. Sie würdigt ihren Eltern keines Blickes, sondern umarmt direkt das Unfallauto. Danach lernen wir sie Jahre später als erotische Tänzerin auf einer Autoshow kennen, bevor sie anfängt Leuten ihre Haarnadel ins Ohr oder andere Körperöffnungen zu stechen und sich auf ihrer Flucht als vermisster Junge ausgibt. Klingt abgefahren, ist es auch und es passieren noch deutlich skurrilere Dinge.

Auch die Brutalität (es gibt zum Beispiel eine Szene in der sie sich ihre Nase zurecht bricht) ist sehr ehrlich inszeniert. Während des Films wird die Handlung dann nicht mehr so stringent erzählt, entwickelt sich aber in eine irgendwie spannende Richtung. Mehr sollte man über den Film inhaltlich auch eigentlich nicht wissen, wenn man sich ihn noch anschauen möchte. Wer dennoch mehr wissen will, bekommt unten in "Weitere Empfehlungen" mehr zu lesen.

Nach dem Schauen war ich erst einmal ein wenig erschlagen. Bilder und Momente stehen metaphorisch für die Themen die in TITANE verhandelt werden. Audiovisuell ist der Film ebenfalls schlichtweg umwerfend. Die Farbpallette und ihre Kontraste bekommen wir gleich in der Eröffnungsszene präsentiert. Das sieht alles so gut aus, wie dort mit Farben, Lichtspielen und Reflektionen gearbeitet wird. Auch das oft derbe Sounddesign schwingt in jeder Szene mit.

Sex, Autos, Morde

Vor allem die Eröffnungsszene nach dem Filmtitel wird mir ewig in Erinnerung bleiben. Unterlegt wurde diese mit "Doing It To Death" von The Kills, der im Kinosaal nochmal mehr ins Ohr drückte als ohnehin schon. Es folgte ein Tracking Shot während einer Autoshow, der einen sofort in den Film hineinzog. Die agile Kamerafahrt während der Tanzszene (die später im Film noch einmal wichtig wird) und das Schauspiel von Agathe Rousselle taten ihr übriges. Erst nach dem Film habe ich erfahren, dass es für Agathe die erste Filmrolle war, was rückblickend betrachtet echt verrückt ist.

Auch später werden Szenen noch einmal sehr eindrucksvoll mit ausgewählten Musikstücken unterlegt. Diese laute, und bestimmt-ekstatische Stimmung heraufzubeschwören ist Regisseurin Julia Doucournau auch schon in RAW gelungen. Aber es wird nicht nur zugehauen, denn es gibt auch genug Szenen, die sinnliche Schönheit hervorzurufen und auch emotional unter die Haut gehen. Und manchmal wird es fast unfreiwillig komisch.

Ich bin superglücklich den Film doch noch im Kino gesehen zu haben, da man solche Filmperlen oft nur in ausgewählten Kinos zu sehen bekommt. Auch beweist Doucournau mit Titane warum sie eine der spannendsten französischen Regisseurinnen zur Zeit ist.

TITANE ist Kino

TITANE ist ein bizarrer Film, der nicht alle Geschmäcker bedienen wird. Da ist der Film viel zu weit weg vom Popcorn-Kino, dessen Besuchende den Film vielleicht nach 10 Minuten ausgemacht hätten. Auch die Brutalität könnte für manch Zuschauende zu viel sein.

TITANE wollt ihr schauen, wenn ihr Lust auf eine Herausforderungen habt. Ein Film bei dem ihr euch viele Gedanken machen und gleichzeitig verarbeiten müsst. Er stellt viele Fragen gibt aber nur wage Antworten.

TITANE ist für mich aufregendes Kino, abseits der Norm, das meine Sehgewohnheiten auf die Probe stellt und erweitert. Ein Film der mir zeigt, was im Kino möglich ist. Für mich das abgefahrenste Kinoerlebnis des Jahres.

Weitere Empfehlungen

• "Titane: Endlose Transformation" von Jens Balzer, Zeit.de
• "Scheiße, ich mag alles am Filmemachen!" | Talk mit TITANE-Regisseurin Julia Ducournau von Kino+, Youtube.com

Die Geschichte (Achtung: kleine Spoiler)

Paul Atreides (Timothee Chalamet) siedelt gemeinsam mit seinem Vater Herzog Leto (Oscar Isaac), seiner Mutter Lady Jessica (Rebecca Ferguson) und dem gesamten Hauststand des Adelshauses Atreides auf den Planeten Arrakis um, der auch als Dune bekannt ist. Dort sollen die Atreides sicherstellen, dass das Spice, eine Droge, die intergalaktische Reisen erst möglich macht und nur auf Arrakis zu finden ist, weiter abgebaut wird. Doch die Reise nach Arrakis entpuppt sich als Falle, die Baron Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård) den Atreides gemeinsam mit dem Herrscher des galaktischen Imperiums gestellt hat. Paul muss gemeinsam mit seiner Mutter in die endlosen Wüsten von Dune fliehen, wo er auf die geheimnisvollen Fremen um deren Anführer Stilgar (Javier Bardem) trifft, ein nomadisches Wüstenvolk, das auf die Ankunft eines prophezeiten Erlösers wartet…

Vor allem die Themenvielfalt und die Einflüsse unterschiedlichster Kulturen (vor allem aus dem arabischen Raum) haben mich beim Lesen des Buches sehr in den Bann gezogen. Der Stoff bietet einfach so viel Projektionsfläche. Es geht um Kolonisation, die Ausbeutung von Ressourcen, das Verhältnis von Politik und Religion, Gier, weibliche Macht, Ökologie, der Umgang mit Wasser und Rohstoffen, Identitätsfindung, soziologische Themen, Philosophie und wie unsere Gesellschaft in feudalen Machtstrukturen funktioniert, wenn wir nicht mehr auf Computer zurückgreifen können. Einige der Dinge, die Frank Herbert in seinem Buch aufgreift, sind heute vielleicht noch aktueller als zum Zeitpunkt des Erscheinens vor über 55 Jahren.

Ein Visionär unserer Zeit

Das Buch von Frank Herbert (von 1965) galt immer als unverfilmbar. Der chilenische Regisseur Alejandro Jodorowsky scheiterte Mitte der siebziger Jahre an der Größe und dem Wahnwitz seiner Interpretation (und hatte damit unfreiwillig Einfluss auf das Entstehen von Alien, Blade Runner oder auch Star Wars). David Lynch lieferte dann 1984 eine Version ab, wo das Produktionsstudio zu sehr ihre Griffel im Spiel hatte. Daraus ergab sich ein zusammengestauchter Film, der qualitativ der Vorlage nicht gerecht wurde.

Denis Villeneuve ist für mich einer der besten Regisseure unserer Zeit und hat mit Filmen wie Blade Runner 2049 und Arrival gezeigt, dass er Science-Fiction, große Bilder und einsaugende Atmosphäre einfach kann. Schon im Jugendalter malte er sich auch aus, wie einzelne Szenen im Film aussehen könnten. Wichtig zu erwähnen ist hierbei, dass sich Villeneuve zum Glück dafür entschieden hat, das Buch in zwei Teilen zu verfilmen. In den 155 Minuten (die wie im Flug vergehen) des 165 Millionen US-Dollar teuren Blockbusters bekommt ihr also nur den ersten Teil der Reise zu sehen und nicht wenige waren am Ende etwas enttäuscht, dass es nicht weiterging. Aber wenn das das einzige größere Negativargument bleibt, hat der Film alles richtig gemacht.

Eine Wucht

"Mein Planet Arrakis ist so schön, wenn die Sonne tief steht." Schon der Einstieg in diesen Film ist schlichtweg wundervoll. Nach dem einleitenden Prolog wusste ich schon: Hier erwartet mich eine ganz große Reise. Es ist ein SciFi-Blockbuster, der trotz seiner irrsinnigen Größe der Bilder ungemein intim wirkt. Villeneuve und sein Kameramann Greig Fraser spielen hier immer wieder mit dem Kontrast aus Schauspiel und der schieren Größe der Welt und der Sets. Alles wirkt echt, was sicher auch damit zu tun hat, dass die Szenen auf Arrakis in der Wüste gedreht wurden und die Sets in den Innenräumen vermutlich auch alle so existieren.

Audiovisuell erschlägt einen der Film förmlich. Die Bilder sind groß, sandgeschliffen und passend minimalistisch. Wenn Paul zum ersten Mal das Spice und den Sand in seiner Hand spürt, möchte ich am liebsten direkt zugreifen. Auch der Shot mit der Wüstenmaus erzählt in den wenigen Sekunden so viel über die Welt von Arrakis. Hans Zimmer (ebenfalls ein großer Fan der Buchvorlage) legt darunter einen sphärischen Klangteppich, der einen immer weiter ins Geschehen zieht und für Gänsehautmomente sorgt.

Die Charaktere erklären sich gegenseitig die Welt und manche Dinge muss man sich aus den präsentierten Bildern selbst aus dem Zusammenhang erschließen. Dabei fühlt sich alles sehr organisch und passend an. Von der Exposition her allen gerecht zu werden, war sicher eine der Herausforderungen. Auch das Tempo fand ich quasi perfekt für diesen Film. So habe ich in Reviews schon von zu viel und von zu wenig Tempo gelesen, was ich spannend finde. Der Film muss schon vieles abhandeln, aber es bleibt einem auch immer Luft zum Atem, da die einzelnen Szenen sich Zeit nehmen, um Dinge auf sich wirken zu lassen.

Ein Cast zum Niederknien

Timothée Chalamet (der Typ ist einfach pures Gold) als Paul Atreides trägt diesen Film, gemeinsam mit Rebecca Ferguson als Lady Jessica, eine Bene Gesserit (eine Schwesternschaft, zu der es auch eine Serie geben soll) und seiner Mutter. Bei den beiden ist immer wieder spannend zu sehen, wie viel in den Blicken und Gesichtsausdrücken passiert und wie viel sich alleine daraus ableiten lässt. Javier Bardem spielt den Fremen-Anführer Stilgar und die Szenen, in denen er zu sehen ist, hinterlässt er bleibenden Eindruck. Jason Momoa als Duncan Idaho ist einer der besten Kämpfer des Universums und trotz des Typecastings, ist dieser Mann für diese Rolle einfach gemacht.

Zendaya als Chani war aufgrund der Story bisher noch nicht im Fokus, ist während des Films aber immer mal wieder zu sehen. Sie muss sich nur umdrehen und in die Kamera lächeln, damit mir das Herz aufgeht. Ihr Blick ist einfach der Wahnsinn. In Dune: Part Two wird sie dann auch mehr Aufmerksamkeit bekommen. Die restliche Besetzungsliste lässt sich ebenfalls sehen und ich will hier nicht den Rahmen sprengen.

Völlige Begeisterung

Nach dem Intro eröffnet der Film mit "Dune: Part One". Am Ende wird klar: Hier muss mindestens ein zweiter Teil kommen, der die losen Enden weitererzählt. Das Ende des Film könnte sich auch erst einmal etwas willkürlich anfühlen, wobei eine Figur eine extrem wichtige Entwicklung durchmacht und es auch im Buch ein natürlicher Bruch ist, der mit einem kleinen Zeitsprung versehen ist.

800.000 Kinogänger:innen hat der Film in Deutschland bisher mobilisiert. Wollen wir hoffen, dass der Film auch in Amerika und China erfolgreich läuft (Starttermin merkwürdigerweise dort erst am 22.10.). Für einen zweiten Teil wurde zwar noch kein grünes Licht gegeben. Bei den momentanen internationalen Zahlen und der Resonanz kann ich mir aber nur schwer vorstellen, dass hier kein zweiter Teil folgt. Villeneuve träumt auch schon von einer Trilogie, indem er das zweite Buch ebenfalls noch auf die Leinwand bringt. Meinetwegen könnte man den ganzen Zyklus in der Qualität erzählen.

Ich würde gerne stundenlang über den Film und all dem Drumherum philosophieren. Wie auch mir geht es vielen anderen da draußen, die so ein wenig "Aufbruchstimmung" verspüren, dass man hier mit DUNE etwas ähnliches erleben könnte, wie vor 20 Jahren mit Herr der Ringe (für mich die beste Trilogie aller Zeiten). Aus der Welt will ich noch so viel mehr sehen und ich werde mich jetzt erstmal ans zweite Buch machen. Der Film ist eines dieser Meisterwerke, auf das ich mich nun schon sehr lange gefreut habe und ich wurde nicht enttäuscht. Ganz im Gegenteil. Meine hohen Erwartungen wurden mehr als übertroffen. Um meinen Appell vom Anfang noch einmal zu wiederholen: Schaut euch diesen Film unbedingt im Kino an. "Das ist erst der Anfang". 5/5

Traumbesetzung

Nach Lady Bird ist es gerade einmal die zweite Regiearbeit von Greta Gerwig. Und ich bin jetzt schon Feuer und Flamme für ihre nächsten Projekte. Ein bekanntes davon ist ein Realfilm über eine der bekanntesten Puppen der Welt: Barbie. Sie soll die Regie übernehmen und zusammen mit ihrem Partner Noah Baumbach das Drehbuch schreiben. Für die Hauptrolle als Barbie ist Margot Robbie vorgesehen.

Aber nun erstmal zurück zu Little Women. Einen besseren Cast für diesen Film hätte es wohl nicht geben können. Dabei stechen für mich vor allem zwei Damen besonders hervor, die beide für ihre Leistungen zurecht eine Oscar-Nominierung bekommen haben. Zum einen Saoirse Ronan (<3!), welche mit Jo die kämpferische und progressive der Schwestern verkörpert. Mit ihr hat Greta Gerwig auch schon im wunderschönen Lady Bird zusammen gearbeitet. Ich finde sie unglaublich und sehe sie extrem gerne spielen. Sie hat einfach etwas besonderes an sich und ist für mich eine der ganz großen für die Zukunft. Zum anderen fand ich Florence Pugh ebenfalls herausragend. Sie spielt die sture, kunstbegabte und jüngste Schwester Amy und ist dabei so wandelbar und verdammt umwerfend. Sie sollte man für die Zukunft ebenfalls auf dem Radar haben. Große Liebe für die beiden.

Die selbstlose und musikalisch Beth wird gespielt von Eliza Scanlen. Achja und Emma Watson als Meg, die eher den konventionellen Weg geht, ist auch noch dabei. Sie drängt sich nicht zu sehr in den Vordergrund und fügt sich bestens ins Bild ein. Weiterhin mit dabei ist Nachbarsjunge Timothée Chalamet (ebenfalls bekannt aus Lady Bird oder auch Call Me By Your Name), der sich mit ganz viel Charme momentan in sämtliche Zuschauerherzen spielt.

Daneben noch Laura Dern als Mutter Marmee (schaut euch Marriage Story an), Bob Odenkirk (Breaking Bad) und Chris Cooper. Die alte und reiche Tante der Schwestern wird gespielt von Meryl Streep. Zu ihr brauche ich wohl nichts weiter sagen. Sie taucht komplett in ihre Rolle ein. Schauspiel in Perfektion, sowohl bei ihr als auch bei den anderen.

Liebe im Überfluss

Der Film begleitet die vier March-Schwestern beim Übergang vom Jugend- ins Erwachsenenalter. Wie eingangs erwähnt, sind sie anders. Eine möchte Schriftstellerin werden, eine andere Schauspielerin. Emanzipation im 19. Jahrhundert war aber nun einmal nicht so leicht und für eine Frau gab es eigentlich nur einen Weg: Heiraten.

Gerwig erzählt die Geschichte innerhalb von zwei Zeitlinien, die man durch unterschiedliche Farbgebungen gut auseinander halten kann. Dadurch ensteht ein sehr rhythmischer und schneller Film, der die verschiedenen Geschichten der vier Schwestern miteinander verwebt. Hier passt und greift wirklich jeder Handlungsstrang in den nächsten und es harmoniert alles wundersamerweise miteinander. Gerwig ist eine brillante Regisseurin und hätte die Oscar-Nominierung mehr als verdient (shame on you Academy).

Es dauert nur wenige Augenblicke, da ist man auch schon von der Handlung verschlungen worden und fühlt sich als eine der Schwestern. Wirklich. Die Charaktere wirken so authentisch und man geht emotional voll mit ihnen mit. Niemals kitschig, dafür in vielen Momenten sehr romantisch und berührend und über den Film hinweg immer mitreißend. Allein schon diese Tanzszene war magisch! Manchmal wusste ich gar nicht wohin mit meinen Gefühlen und war gegen Ende regelrecht überwältigt. Sehr herzerwärmend und wie ein Injektion von reinem Glück direkt in den Körper. Meine Empfehlung für Fans des Romans, einer der alten Filme oder falls euch der Trailer auch nur annähernd anspricht: Schaut euch den Film an!

Der Roman ist übrigens lose inspiriert vom Leben der Autorin Louisa May Alcott selbst. Sie hat den Roman in den 1860ern geschrieben und hat wie ihre Hauptfigur Jo im Buch ebenfalls drei Schwestern. Auch weitere Handlungsdetails passen zu ihrer Geschichte. Daran sieht man mal wieder: Die besten Geschichten schreibt das Leben selbst.

Achja: Ich bastel übrigens gerade an meinem Letterboxd-Account.