Wichtig: Für meine Liste qualifizieren sich alle Filme, die 2023 in Deutschland ihren ersten Start im Kino hatten, als Direct-to-Video Veröffentlichung herauskamen oder als Release bei einem der gängigen Streaminganbieter erschienen sind.

1. Babylon (von Damien Chazelle, 5/5)

This is cinema. Ich bin mir sicher, dass der Film in ein paar Jahren die Anerkennung bekommt, die er verdient hätte. Der Soundtrack ist der beste des Jahres und es ist immer noch ein Skandal, dass dieser den Oscar dafür nicht bekommen hat.

2. Killers of the Flower Moon (von Martin Scorsese, 4,5/5)

3,5 Stunden gefesselt im Kino sitzen? Das schafft Martin Scorsese (mit 80(!) Jahren), wie kaum ein anderer. Dabei ist der Film nicht einmal "mitreißend" erzählt, sondern behandelt relativ nüchtern die systematischen Verbrechen an der Osage-Nation, der einst reichsten Personengruppe der Welt.

3. Past Lives (von Celine Song, 4,5/5)

Das autobiografisch-geprägte Regiedebüt der südkoreanisch-kanadischen Regisseurin Celine Song hat meine Seele zutiefst berührt und eine fundamentale Lebensfrage aufgeworfen: Was wäre wenn? Was wäre, wenn wir im Leben andere Abzweigungen genommen hätten?

4. Spider-Man: Across the Spider-Verse (von Joaquim Dos Santos, Kemp Powers & Justin K. Thompson, 4,5/5)

Der beste Superheldenfilm in einem Jahr der Superhelden-Müdigkeit. Was hier an Ideen und Arbeit (leider auch mit teils sehr fragwürdigen Bedingungen) abgefeuert wird, gehört zur Königsklasse im Animationsbereich. Ich hoffe sehr, dass Teil 3 und damit der Abschluss der Trilogie das Niveau halten kann.

5. Oppenheimer (von Christopher Nolan, 4,5/5)

Wer hätte gedacht, dass ein 3-stündiger Film über den "Vater der Atombombe" einen so fesseln kann? Auf Christopher Nolan ist einfach Verlass.

6. Bottoms (von Emma Seligman, 4,5/5)

Der witzigste Film des Jahres! Zwei lesbische Highschool-Schülerinnen starten einen "Fight Club" an ihrer Schule, um näher an zwei Cheerleaderinnen heranzukommen. Rachel Sennott und Ayo Edebiri spielen fantastisch.

7. Daisy Jones & the Six (von Scott Neustadter & Michael H. Weber, 4,5/5)

Erwischt. Das hier ist gar kein Film, sondern eine Miniserie (10 Folgen), basierend auf dem gleichnamigen Buch. Wir erleben den Aufstieg und Fall der fiktiven, gleichnamigen Band in den 1970ern. Von den Songs, über die Performances, alles richtig gut!

8. Barbie (von Greta Gerwig, 4/5)

Greta Gerwig scheint mit Barbie nun ganz oben im Filmolymp angekommen zu sein. Margot Robbie und Ryan Gosling sind der perfekte Cast für diesen quietschbunten Film, der es am Ende doch noch schafft, aus dem Mattel-Korsett ein wenig auszubrechen.

Honorable Mentions (alle 4/5):

• Anatomie eines Falls (Anatomie eines Falls im wahrsten Sinne des Wortes. Spannend dekonstruiert, mit einem wilden französischen Rechtsverständnisses.)
• Are You There God? It’s Me, Margaret. (Zwischen zwei Religionen; zwischen zwei Familien steht Gott.)
• Das Lehrerzimmer (Der deutsche Beitrag für den internationalen Oscar besticht mit dichter Atmosphäre im Kosmos Schule. Angehende Lehrende sollten den Film mit Vorsicht genießen.)
• Die Fabelmans (Die Geschichte des Steven Spielberg von Steven Spielberg.)
• How To Have Sex (Das Leben ist nur solange eine Party, bis die Musik erlischt.)
• May December (Mai-Dezember: Bezieht sich auf eine Beziehung, in der eine Person viel älter ist als die andere. Spannende Charaktere, die da aufeinander prallen.)
• Missing (Ein Desktop-Thriller, der überraschend gut funktioniert hat.)
• Pearl (Horror ist ein seltener Gast in meinen Listen, aber der Film slayed.)
• Saltburn (Einige Szenen brennen wie Salz in der Wunde.)
• The Killer (Stilübung in Sachen Filmemachen von David Fincher.)
• Theater Camp (Ein süßer, kleiner, witziger Film über Theater-Kinder und -Lehrer.)

Filme, die ich noch nicht gesehen habe, aber in der Liste auftauchen könnten:

• Beau is Afraid
• Close
• Elemental
• Roter Himmel
• Suzume
• Taylor Swift: The Eras Tour
• The Creator
• The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes
• Wonka

(Den ein oder anderen Film habe ich sicher vergessen.)

Neben der romantischen Beziehung, den zwischenmenschlichen Konflikten und den Herausforderungen des Erwachsenwerdens als zentrale Elemente, spielen Themen wie soziale Hierarchie, Identität, psychische Gesundheit, Intimität und dysfunktionale Beziehungen eine Rolle. Marianne und Connell werden verkörpert von Daisy Edgar-Jones (Fresh, Der Gesang der Flusskrebse) und Paul Mescal (Aftersun und bald Gladiator 2), deren Chemie gar nicht besser hätte sein und eingefangen werden können. Die beiden spielen ihre Figuren auf so eine authentische Weise, mit all ihren komplexen Eigenheiten und den emotionalen Feinheiten im Tanz zwischen Anziehung, Liebe und Verlust. Normal People wurde schon 2020 veröffentlicht, umfasst 12 Episoden à etwa 30 Minuten und das Beste: sie ist ab dem 05.08.23 kostenlos in der ZDF Mediathek verfügbar.

Normal People: Marianne & Connell

Die Regiearbeit teilten sich Lenny Abrahamson (er hat u. a. den Film Raum (engl. Room) mit Brie Larson inszeniert) und Hettie Macdonald. Das Skript wurde von Sally Rooney selbst, Alice Birch und Mark O’Rowe (eine Folge) geschrieben. Normal People erzählt die Liebesgeschichte zwischen Connell Waldron und Marianne Sheridan und ihren Herausforderungen des Erwachsenwerdens. Sie stammen beide aus der Kleinstadt Sligo in Irland und auch wenn sie auf den ersten Blick sehr unterschiedlich wirken, entwickeln sie eine tiefe Verbindung zueinander. Es entsteht eine heimliche Romanze, die sie jedoch auf ihren Wunsch hin vor Freunden und Familie geheim halten. 

Connell ist charmant und intelligent, kämpft aber aufgrund seines sozialen Status als beliebter Schüler oft mit inneren Konflikten und ist unsicher. Marianne dagegen ist ebenso klug und unabhängig, bleibt aber oft von ihren Mitschüler:innen isoliert, kämpft mit familiären Problemen, ihrer Geschichte mit häuslicher Gewalt und ist emotional verletzlich. Weitere Schlüsselrollen spielen die alleinerziehenden Mütter der beiden.

Als sie die Schule abschließen, ändert sich ihre Dynamik. Die Rollen im College-Leben kehren sich um und während Marianne in diesem Umfeld aufblüht, hat Connell große Schwierigkeiten sich einzufinden. Im Laufe der Zeit kreuzen sich ihre Wege immer wieder. Sie finden wieder zusammen und trennen sich wieder, während sie ihre Beziehung, ihre persönlichen Träume und ihre Identität erforschen.

Die Schwierigkeiten des Erwachsenwerdens

Im Kern zeigt Normal People die Komplexität und Verletzlichkeit von Beziehungen sowie die Auswirkungen von Kommunikation und das Fehlen ebendieser. Es tauchen öfter Situationen auf, die durch ein ehrliches, klärendes Gespräch hätten gelöst werden können. Verständlich ist aber auch, dass diese ausgeblieben sind. Die Familienverhältnisse der Hauptcharaktere sind ebenso wichtig. Marianne stammt aus einer reichen, aber dysfunktionalen Familie, während Connell aus einer Arbeiterklassenfamilie kommt und von einer liebenden Mutter (Lorraine ist ein moralischer Kompass für die beiden und der heimliche MVP der Serie) umsorgt wird, die aber sehr ehrlich mit ihm spricht. Isolation und Einsamkeit gehen mit Angst, Panikattacken und Selbstzweifeln einher. Mit Marianne als starke weibliche Figur wird die Bedeutung des Feminismus und der Gleichberechtigung gestreift. Bei ihr werden zusätzlich die Auswirkungen häuslicher, sexualisierter Gewalt auf das eigene Denken und Handeln sichtbar.

Auf allen Ebenen brillant

Daisy Edgar-Jones und Paul Mescal sind einfach fantastisch in der Darstellungsweise ihrer komplexen, aber glaubhaften und daher menschlichen Figuren und lassen uns mit ihnen mitfühlen. Ich habe beide bereits in anderen Projekten gesehen, aber zusammen holen sie noch einmal das Beste aus sich heraus. Passend dazu ist die einfühlsame Inszenierung, mit einer Kamera, die oft sehr nah die Gesichter vor der Linse hat und so nur durch Mimik kommuniziert wird. Durch diese Verletzlichkeit wird auch die Bewältigung ihrer inneren Konflikte eingefangen, die im Roman als innere Monologe ausgetragen werden.

Kommunikation ist wichtiger Bestandteil der Serie und wo Connell und Marianne es nicht schaffen, verbal miteinander zu kommunizieren, funktioniert es im blinden Verständnis zueinander und auf körperlicher Ebene umso besser. Die expliziten (Sex-)Szenen sind mit so viel Fingerspitzengefühl und Glaubhaftigkeit inszeniert, wie ihr es nur ganz selten zu sehen bekommt. Als Intimitätskoordinatorin war Ita O’Brien mit am Set, damit alle Beteiligten sich so wohl wie möglich fühlten. Es werden auch die vielleicht unangenehmen Momente gezeigt, die aber schlichtweg normal sind. Manchmal ist es mit einem Kondom vor Aufregung eben etwas fummelig. Es ist auch völlig in Ordnung nach Zustimmung zu fragen und zu sagen, wenn einem etwas nicht gefällt. 

Komme nicht davon los

Mittlerweile habe ich mir die Serie dreimal in einem kurzen Zeitraum angeschaut, den zugrundeliegenden Roman (die Serienadaption ist wirklich sehr nah an der Buchvorlage) gelesen und direkt die beiden anderen Werke von Sally Rooney verschlungen. Die Harmonie von Daisy Edgar-Jones und Paul Mescal ist unvergleichlich, so nuanciert und es ist immer wieder erstaunlich, wie viel allein durch Blicke erzählt werden kann. Man spürt zwischen den beiden förmlich dieses Knistern, dieses Verlangen nach emotionaler und körperlicher Nähe und so schlagen die nicht so schönen Momente umso härter zu.

Ich fühlte mich mit Connell so schnell verbunden, konnte mit seinen Sorgen und Unsicherheiten mitfühlen und wurde an mich erinnert, wie ich selbst manchmal reagiert habe. Kommunikation ist in so vielen Lebenslagen der Schlüssel, was ich erst deutlich später im Leben realisiert habe. Einige Situationen taten mir so im Herzen weh, auch seine Struggles mit Selbstsicherheit, Depression und dem Impostor-Syndrom. Wenn man nicht nach Dingen fragt, die einem unangenehm sind, obwohl man eigentlich weiß, dass die andere Person damit überhaupt keine Probleme hat. Wenn man Dinge nicht tut, nur weil man glaubt, dass man sich danach schämen müsste oder das eigene Standing irgendwie angegriffen sein könnte. Hier ist die Serie so präzise in ihrer Ausarbeitung zwischen dem, was sich richtig anfühlt, und den Einflüssen der inneren und äußeren Umgebung auf diese Gefühle und Gedanken.

Normal People hat mein Herz auseinandergerissen, die Einzelteile wieder zusammengesetzt, nur um dieses Spiel immer wieder zu wiederholen und mich mit einem perfekten Ende zurückzulassen. Wie kann etwas gleichzeitig so schön und so schmerzlich sein? Zutiefst berührend, unglaublich gut gespielt (mein Crush auf Daisy Edgar-Jones ist seitdem riesig), authentisch-ehrlich eingefangen und passend musikalisch unterlegt. Zudem macht sie nachdenklich und lässt einen eigene Erfahrungen reflektieren. Sie zeigt, wie stark Liebe in all ihren Formen sein kann und ich hoffe meine Liebe für die Serie hat sich nach dem Lesen dieses Blogbeitrages auch auf euch übertragen. 

 “Menschen können sich wirklich gegenseitig ändern.”

"Normal People" in der ZDF Mediathek

Am 04.08.2023 ab 21:50 Uhr wird die 12-teilige Serie in einem Rutsch bei ZDFneo ausgestrahlt und danach auch in der ZDF Mediathek zur Verfügung stehen. Nachdem die Serie in Deutschland in letzter Zeit nur über Umwege zu bekommen war, ist das nun die perfekte Gelegenheit. Neben einer deutschen Synchronfassung wird es sicherlich auch die englische Originalversion zu sehen geben, die euch nur wärmstens ans Herz legen kann. Oder schaut sie euch doch einfach zweimal an. Aufgrund der FSK 16 Altersbeschränkung muss (je nach Uhrzeit) ein kostenfreies Konto erstellt und euer Alter mit euren Personalausweisnummern verifiziert werden. MediathekViewWeb könnte euch auch weiterhelfen.

Noch ein Tipp: Der Debütroman Conversations With Friends von Sally Rooney wurde ebenfalls in ein Miniserien-Format gegossen, läuft am 06.08.2023 bei ZDFneo und kommt einen Tag später komplett in die Mediathek.

Triggerwarnung: Spiritfarer behandelt keine leichten Themen. Für diejenigen, für die die Themen Tod und Krankheiten momentan ein Trigger sind, kann ich das Spiel nur eingeschränkt empfehlen. Vorsorglich hier die Seite der Telefonseelsorge.

Spiritfarer ist in erster Linie ein cozy Management-Spiel mit leichten Plattformer-Elementen. Die Hauptarbeit besteht darin auf eurem Boot verschiedene Materialien zu neuen Gebäuden zusammenzuzimmern, euer Schiff aufzuwerten und am wichtigsten: euch um eure Seelen zu kümmern. Jede Seele hat ein Stimmungsbarometer, das sich durch Essen, tägliche Umarmungen oder das Abschließen von Quests verbessern lässt. Der Fokus des Spiels liegt auf alltäglichen Tätigkeiten, die durch immer neue Elemente ergänzt werden. Diese Gamplay-Loop kann für den ein oder anderen sicher langwierig werden, aber es gibt stets genug zu tun.

Auf einer Landkarte schippert ihr zu verschiedenen Inseln und Ereignissen. So baut ihr nach und nach euer Boot immer weiter aus und könnt weitere Teile der Karte erkunden, die euch anfangs verwehrt geblieben sind. Ähnlich wie in Stardew Valley könnt ihr verschiedene Samen anpflanzen, diese wässern und nach einiger Zeit abbauen, Schafe scheren oder euch beim Angeln verschiedener Meerestiere versuchen. Diese könnt ihr später zu über 100 Rezepten in der Kombüse kombinieren und so die Lieblingsmahlzeiten eurer Bewohner:innen herausfinden. Aus welchen zwei Zutaten entsteht wohl ein leckerer Kirschkuchen?

Entspannte Gameplay-Erfahrung

Die Gameplay Elemente sind dabei einfach, aber intuitiv. Wenn ihr einen Baumstamm verarbeiten wollt, müsst ihr im Sägewerk eine vorgezeichnete Linie auf dem Stamm entlang fahren und bekommt hinten heraus ein paar Bretter. Belohnt werdet ihr in diesem Spiel praktisch immer. Selbst die aufregenden Minispiele, wie das Abfüllen von Blitzen bei einem Unwetter, sind nach den Möglichkeiten halbwegs abwechslungsreich gestaltet. Zudem könnt ihr das Spiel ohne Verpflichtungen in eurem Tempo spielen. Weder sterben eure Samen ab, nur weil ihr sie nicht gießt, noch sterben eure Schafe, weil ihr ihnen nichts zu essen gebt. Bestrafungen gibt es so in dem Spiel nicht.

Ihr werdet merken, dass ihr an bestimmten Stellen nicht weiterkommt, also müsst ihr in eurem Questlog nachschauen, was ihr nächstes erledigen könnt. Dabei enthält das Spiel noch viele weitere süße Details und Kleinigkeiten (ein reisender Händler oder eine Schnellreisefunktion), die euch nach und nach präsentiert werden. Gerade am Anfang könnt ihr auf einzelnen Inseln nicht alle Geheimnisse auf einmal entdecken. Nach und nach schaltet ihr aber weitere Fähigkeiten für Stella frei (z.B. Doppelsprung), die euch bei wiederholten Besuchen der Inseln weitere Geheimnisse enthüllen lassen. Die Plattforming-Elemente sind hierbei nicht allzu fordernd, auch wenn man für einige versteckte Objekte ein wenig suchen muss.

Mit eurem Schiff bereist ihr so verschiedenste kleine Inseln und trefft auf allerhand gesichtslose NPCs und über 10 verschiedene tierische Seelen, deren Geschichten es zu erleben gilt. Diese wollen euch entweder direkt begleiten, oder ihr müsst vorher etwas für sie erledigen.

Inspirationen aus dem echten Leben

Die Geschichten hinter den Seelen, die man bei ihrem Gang ins Jenseits begleitet, basieren dabei zum Teil auf verstorbenen Geliebten des Team (die im Abspann genannt) werden, sowie auf eigenen Erfahrungen. Ihr müsst selbst ein wenig metaphorische Arbeit leisten. Manchmal könnt ihr den charmanten Dialogen Details zu den Leben entlocken. Weitere Gameplay-Elemente spiegeln Erlebnisse der Seelen wider. Wenn man ein Tier immer wieder von einem "Geschwür" befreien muss, deutet das schon sehr auf einen Tumor wie zum Beispiel Krebs hin. Eine Seele stellt euch immer wieder dieselbe Quest, was auf Demenz hindeutet. Ihr seht schon, keine leichte Kost.

Die Häuser, die ihr auf eurem Schiff für die Seelen als Rückzugsort baut, liefern ebenfalls Hinweise. Einige Details sind leider nur in einem digitalen Artbook enthalten. Hier hätte ich mir beispielsweise eine Art Tagebuch (in den Häusern) der Seelen gewünscht, die Ausschnitte aus ihren Geschichten enthalten. Immerhin gibt es ein Wiki, wo man weitere Informationen erhält. Aber auch so baut ihr schnell eine enge Verbindung zu den tierischen Mitfahrer:innen auf. Manche werden euch emotional mehr mitnehmen, andere werdet ihr von ihrem Verhalten eher abstoßend finden. So wie es im echten Leben nun einmal ist.

Einzigartige Ästhetik

Schon während des Spielens musste ich immer wieder an Studio Ghibli denken. Der einzigartige Grafikstil, der Fokus aufs Alltägliche, die fantastischen Erlebnisse, einfach dieses Gefühl. Und tatsächlich: In einer Dokumentation von The Escapist über die Entstehung des Spiels gaben die Entwickler:innen an, von Chihiros Reise ins Zauberland und dem dortigen Badehaus, einem Hotel für Seelen, inspiriert worden zu sein.

Eine weitere Inspirationsquelle war der Stil des japanischen Künstlers Hiroshi Yoshida. An der Farbgebung und dem liebevoll handgezeichneten Stil konnte ich mich auch nach 40 Stunden Spielzeit nicht satt sehen. Die Farbgebung (die Sonnenuntergänge!) und all die Details haben mich immer wieder staunen lassen. Zu der graphischen Atmosphäre und Immersion kommt dann noch ein wundervoller Soundtrack und wohltuende Sounds der spielerischen Elemente hinzu. Die Liebe für die Welt und ihre Geschichten sprüht aus allen Ecken.

Irgendwann kommt aber der Punkt, da müsst ihr eure Seelen loslassen und sie zur Immerpforte führen. Da einige von ihnen euch unweigerlich ans Herz wachsen, sei es durch ihre Geschichten oder weil sie euch selbst an geliebte Menschen erinnern, sind die Abschiede stellenweise tränenreich. Die Seelen reflektieren nochmal ihr Leben und bringen wertvolle Anregungen für das eigene Leben mit, die euch nachdenken lassen. Selbst die Seelen, die man anfangs weniger mochte hat, können so doch emotional zuschlagen.

Während des Spiel erfahrt ihr in ein paar wenigen Sequenzen auch, warum Stella in der Nachwelt ankommt und wie ihr Leben verlaufen ist. Hier schlägt das Spiel einen ganz großen Bogen und es geht nochmal sehr ans Herz.

Was wirst Du zurücklassen?

Durchatmen. Dieser Blogbeitrag ist mir echt schwer gefallen und der Entwurf lag zwei Monate unangetastet herum. Kurz vor Beendigung des Spiels ist ein von mir sehr geliebte Katze unerwartet von uns gegangen. In den Jahren, wo sie mich begleitet hat, konnte ich so viele vor allem emotionale Dinge fürs Leben lernen. Sie war stets ein treuer Begleiter, der morgens schon zum Kuscheln kam, wenn man nur einmal kurz die Augen aufschlug. Sie hat viel erlebt, ich durfte viel mit ihr erleben. Weil Stella von ihrer Katze Daffodil begleitet wird, wurde ich in den letzten Spielstunden dauernd an sie erinnert. Aber genau das brauchte ich irgendwie.

Neben der Eingangsfrage Was wäre, wenn wir den Tod nicht so sehr fürchten würden? stellt Spiritfarer nämlich noch eine weitere Frage Was wirst du zurücklassen? Wann stirbt man überhaupt? Wenn die Seele den Körper verlässt? Wenn das Herz nicht mehr schlägt? Oder doch, wenn wir irgendwann vergessen sind?

Spiritfarer ist eine der herzlichsten Spieleerfahrungen, die ich jemals hatte. Es ist ok Abschied zu nehmen, den Tod mit Würde zu tragen. Das gehört zum Kreislauf des Lebens unweigerlich dazu. Ultimativ ist es ein Spiel über unsere Liebe und Verbindungen zu anderen. Spiritfarer erinnert euch daran, dass Geliebtes zwar nicht mehr zurückzubringen ist, aber all ihr Erlebtes durch euch und eure Erinnerungen weiterleben kann und so niemals vergessen wird. Francis, wir vermissen Dich. <3

And I’ll take your hand and guide you through
All the steps one takes to move on to
A place, a world unseen to us all
But it’s ok we’ll be together

"What Will You Leave Behind (End Titles)" – Max LL

Solide Show

Insgesamt habe ich eine schöne Show gesehen, die wieder am üblichen Schauplatz im Dolby Theatre mit riesigem roten Teppich im Vorfeld stattfand. 15,3 Millionen Personen haben in den USA zugesehen, was zwar immerhin 50% mehr sind als im letzten Jahr (2021: 10,4 Millionen), aber auch deutlich weniger als im Jahr davor (2020: 23,6 Millionen). Die Moderation von Wanda Sykes, Amy Shumer und Regina Hall konnte mit so einigen netten Spitzen überzeugen, auch wenn die Show deutlich vollgepackter war und die drei nicht so oft wie gedacht zu sehen waren.

Im Gegensatz zum letzten Jahr wurde viel experimentiert und Neuerungen mit eingebaut. Es wurden einige Jubiläen gefeiert (Der Pate, James Bond, Juno), wo dann auch Stars aus den Filmen einige Kategorien präsentieren durften. So standen für das 50. Jubiläum von Der Pate dann Al Pacino, Robert De Niro und Francis Ford Coppola gemeinsam auf der Bühne.

Die beiden neuen "Preise" Oscar Fan Favorite (Army of the Dead) und Best Cheer Moment (Zack Snyder’s Justice League), die einfach als Video gezeigt wurden und für die man im Internet abstimmen konnte, werden hoffentlich direkt wieder eingestampft. Ein netter Versuch, um auch 'Publikumslieblinge' noch mehr abzubilden, was insgesamt aber scheiterte.

Auch die vorherige Verleihung von 8(!) Oscars, deren Aufzeichnung dann gekürzt in die Show eingebaut wurde, fand ich unglücklich. So wurden die Kategorien komplett durchgerusht und die Reden gingen zwischen allem irgendwie unter. Zudem war die Spannung eh komplett weg, da man die Sieger:innen schon vorher kannte.

Keine Überraschungen

Bei der diesjährigen Oscarverleihung gab es, bis auf die Bester animierter Kurzfilm Kategorie, wo sich das visuell sehr spannende The Windshield Wiper (eine Ansammlung von Szenen rund um das Thema "What is Love?"; kostenlos auf Youtube) gegen den Favoriten Robin, Robin durchsetzen konnte, keinerlei Upsets. Auch wenn einige Kategorien noch nicht als sicher galten, wurde das im Vorfeld alles so prognostiziert, wie es letztendlich auch gekommen ist.

CODA gewinnt "Bester Film"

Was war das für ein Abend für den kleinen Film CODA, der nun endlich auch für die breite Masse sichtbarer wurde. Drei Oscars bei drei Nominierungen: Bester Film, Bestes adaptiertes Drehbuch für Regisseurin Siân Heder und Bester Nebendarsteller für Troy Kotsur. Ich weiß nicht, ob das vor einem halben Jahr jemand für möglich gehalten hätte. Der Film ist eine Remake des französischen Films La Famille Bélier (2014). In CODA (child of deaf adults) geht es um die Teenagerin Ruby Rossi, die als einzige ihrer Familie nicht gehörlos ist und einen Weg finden muss, zwischen der Selbstverwirklichung ihres Traums Sängerin zu werden und den Verpflichtungen gegenüber ihrer Familie, die ein Fischerei-Business betreibt.

Das Team um den Film hat für den Cast gehörlose Schauspieler:innen ausgewählt und aufgrund der Modalitäten, wie in Hollywood Filme finanziert werden (große Stars bringen oft Sicherheit), wurde der Film von keinem großen Studio bedacht. Im Januar 2021 feierte CODA ohne Distributor auf dem Sundance Film Festival seine Premiere, wo der Film den Grand Jury Prize gewinnen konnte. Daraufhin sicherte sich Apple die Filmrechte für die Festival-Rekordsumme von 25 Million US-Dollar. Apple ist damit auch der erste Streaminganbieter, der sich den Oscar für den Besten Film sichern konnte.

This is dedicated to the deaf community, the 'CODA' community, and the disabled community. This is our moment!

Troy Kotsur

Troy Kotsur ist nach Marleen Matlin (1987 für die Beste Hauptdarstellerin) erst die zweite, schauspielende gehörlose Person, die einen Oscar gewinnen konnte. Seine Rede war sehr herzlich und man konnte ihm ansehen, wie viel im das alles bedeutet.

Ariana DeBose & Jessica Chastain mit rührenden Dankesreden

Für ihre Rolle als Anita in der Neuverfilmung des Musicalklassikers West Side Story durfte Schauspielerin Ariana DeBose völlig verdient die Trophäe als Beste Nebendarstellerin mitnehmen. Sie ist damit die erste offen queere Woman of Colour, die einen Oscar gewinnen konnte. Ihre einfühlsame und kraftvolle Dankesrede danach gehört mit zu den besten des Abends.

https://twitter.com/ArianaDeBose/status/1508596783819247616

Auch Jessica Chastain, die für ihre Rolle als christliche TV-Predigerin Tammy Faye (im Film The Eyes of Tammy Faye) als Beste Hauptdarstellerin geehrt wurde, hat eine wahrlich schöne und wichtige Rede vorgetragen.

For any of you out there who do, in fact, feel hopeless or alone, I just want you to know that you are unconditionally loved for the uniqueness that is you.

Jessica Chastain

Bester Dokumentarfilm: "Summer of Soul"

Nach dem großen Eklat betrat Sean Combs aka. P. Diddy die Bühne und hat die Verleihung des Besten Dokumentarfilms anmoderiert. Dabei kam es (zumindest im international Feed) zu technischen Störungen und der Gewinn von Summer of Soul (…Or, When the Revolution Could Not Be Televised) und die Dankesrede sind, auch dank den vorherigen Ereignissen, komplett untergegangen.

Wusstet ihr, dass es ein Black Woodstock Festival gab, welches im Sommer 1969 in New Yorks Stadtteil Harlem stattgefunden hat? Ziel des Festivals war es afroamerikanische Musik und Kultur zu feiern. Über den Zeitraum von mehreren Wochen standen Sonntags immer wieder neue Musiker:innen auf der Bühne und lockten über 300.000 Besucher an. Mit dabei waren u.a. Nina Simone, Mahalia Jackson, B. B. King und Stevie Wonder.

Videoproduzent Hal Tulchin hat 40 Stunden Material über das Festival gedreht und versucht Fernsehsender und Filmstudios für eine Ausstrahlung zu begeistern. Ohne Erfolg und so landeten die Aufnahmen in einem Keller. Nach seinem Tod und der Ausgabe des Nachlasses,  fielen die Aufnahme schließlich in die Hände von The Roots Drummer Ahmir „Questlove“ Thompson, der daraus diese Dokumentation bastelte, die ihr euch bei Disney+ anschauen könnt.

Ein paar interessante Fakten

Zum Abschluss habe ich noch spannende Trivia zusammengesucht.

• Jessica Chastain ist mit ihrem Gewinn als Beste Hauptdarstellerin nun die fünfte Schauspielerein aus dem Cast von The Help (2011), die seit Release des Films einen Oscar gewinnen konnte. (Q)
• Von 27 Nominierung für Netflix-Filme konnte der Streaminganbieter nur eine einzige Trophäe gewinnen: Beste Regie für Jane Campion (The Power of the Dog). Sie ist die erste Frau, die zweimal für diesen Preis nominiert wurde (das andere Mal 1994 für Das Piano) und nun die dritte Frau (nach Kathryn Bigelow und Chloé Zhao), die in dieser Kategorie einen Preis mit nach Hause nehmen konnte.
• DUNE konnte mit 6 Oscars (Beste Kamera, Bester Schnitt, Bester Ton, Bestes Szenenbild) die meisten Siege erringen. Darunter auch zwei Deutsche: Hans Zimmer (Beste Filmmusik) und Gerd Nefzer (Beste visuelle Effekte).
• Hollywood Legende Steven Spielberg wurde nun in sechs aufeinanderfolgenden Dekaden in der Kategorie Beste Regie nominiert.

Ablauf der Show

Nach dem letztjährigen Experiment in der Union-Station in Downtown LA, wird die Verleihung in diesem Jahr wieder im üblichen Dolby Theatre stattfinden. Geteilt in drei Abschnitte wird es auch wieder Moderationen geben, diesmal von Regina Hall, Amy Schumer und Wanda Sykes. Viele bekannte Namen werden ebenfalls als Presenter:innen einzelner Kategorien dabei sein.

Mal eine Frage an euch: Was würdet ihr tun, um langfristig wieder mehr Zuschauer:innen anzulocken, nachdem die Quote im letzten Jahr katastrophal schlecht war und die Zahlen um über 50% eingebrochen sind? Richtig, ihr würdet die Verleihung der Preise in 8(!) Kategorien (die drei Shorts-Kategorien, Filmschnitt, Make-up und Frisuren, Filmmusik, Szenenbild und Ton) eine Stunde vor der Livesendung aufzeichnen und in die Sendung integrieren, um "mehr Zeit und Gelegenheit für die Unterhaltung und das Engagement des Publikums durch Comedy, Musiknummern, Filmausschnitte und Filmtributes" zu haben. Klingt nach einer blöden Idee? Genauso wird es aber ablaufen. Viele große Namen Hollywoods haben sich gegen diese Entscheidung ausgesprochen und der öffentliche Backlash war groß. Wir werden sehen, was das alles bringen wird.

Wo gucken?

Im Gegensatz zum letzten Jahr hatte man in Deutschland diesmal wenigstens legale Möglichkeiten, um alle zehn Nominierungen für den Besten Film in Deutschland zu sehen. CODA auf Apple TV+. Don’t Look Up und The Power of the Dog auf Netflix. Nightmare Alley und West Side Story mittlerweile auf Disney+ und DUNE schon bei Sky. Die restlichen vier liefen bzw. laufen noch in den deutschen Kinos. Schwierig ist es wieder bei den Shorts oder auch internationalen Filmen wie The Worst Person in the World (dt. Kinostart 02.06.) oder Flee (noch kein Starttermin). Hier bekommt ihr eine gute Übersicht, falls ihr euch einen der Filme anschauen möchtet.

Snubs

Keine Liebe für die beiden Ridley Scott Filme House of Gucci oder The Last Duel, eine wirklich unverständliche Nicht-Nominierung für Denis Villeneuve für beste Regie (DUNE), kein Titane für bester internationaler Film, kein The Rescue für beste Dokumentation. Wie immer kann man hier eine lange Liste führen mit Filmen, die sicher auch Nominierungen verdient hätten. Es gibt nämlich leider wieder Nominierungen, die keine hätten sein sollen, aber auch genug Überraschungen.

Die Favoriten

Anhand der vorangegangen Award-Season kann man für viele Kategorien schon potenzielle Kandidat:innen für einen Sieg ausmachen. In einigen Kategorien stehen die Gewinner:innen praktisch bereits fest. Jane Campion wird zu 100% für die beste Regie ausgezeichnet, Ariana DeBose wird für ihre Rolle als Anita in Steven Spielbergs Remake zu West Side Story beste Nebendarstellerin gewinnen und Dune wird mindestens 4-5 Preise für die 'technischen' Kategorien abräumen.

Es gibt aber weiterhin Kategorien, die noch sehr in der Schwebe sind. Für den Hauptpreis galt The Power of the Dog lange als Favorit, bis Belfast mal kurz anklopfte und CODA durch wichtige Gewinne bei den SAG und PGA Preisen nun vielleicht doch noch vorbeizieht. Die beiden Screenplay Awards sehe ich auch noch nicht "locked". Und auch wenn wir mit Jessica Chastain für The Eyes of Tammy Faye und Will Smith für King Richard zwei Frontrunner für die Schauspiel-Kategorien haben, kann es hier durchaus auch noch Überraschungen geben.

Wer sich noch ausführlicher damit auseinander setzen möchte, dem kann ich folgende Letterboxd-Liste empfehlen, die sehr fein aufschlüsselt, wer wie welche Preise mit nach Hause nehmen könnte.

Wen ich gerne gewinnen sehen würde

Anfangs sah es noch so aus, als könnte Kristen Stewart für ihre Darstellung als Prinzessin Diana in Spencer einen Preis gewinnen. Ich sehe sie unglaublich gerne in Filmen und hätte es ihr echt gegönnt. Der Hype ist nur leider doch schnell abgeflacht. Auch würde ich es Andrew Garfield wünschen, der im Musicalfilm Tick, Tick…Boom! ganz groß aufspielt. The Worst Person in the World wäre ebenfalls ein schöner Gewinnerfilm, aber beim besten internationalen Film wird am Ende wohl Drive My Car den Preis holen, da dieser auch als bester Film nominiert ist. Licorice Pizza räume ich zumindest Chancen für das beste Originaldrehbuch ein.

Ich werde meine Tipps hier morgen noch reinpacken und bei Twitter werdet ihr ab morgen Nacht sicher wieder einiges von mir zu lesen bekommen.

Update: Hier meine Tipps für die Oscarnacht.

Update2: Beim Tippspiel konnte ich immer 20 von 23 Nominierungen richtig tippen. In einem weiteren Blogbeitrag habe ich ein bisschen zusammengefasst, was nach der Oscarnacht in Erinnerung bleiben sollte.

Der Basisplot basiert dabei auf einer israelischen TV-Miniserie mit demselben Titel. Im Mittelpunkt steht die anfangs 17-Jährige Rue, die nach einem Drogenabsturz und Rehab-Aufenthalt wieder zurück zu ihrer Schwester und Mutter kommt und erstmal versuchen muss mit dem Leben wieder klarzukommen und nicht wieder abzurutschen. Thematisch pendelt die Serie zwischen Sucht, Drogen, Sexualität, Selbstbestimmung und Mental Health, alles mit leicht überzeichneten Charakteren an einer amerikanischen Highschool. Der Mann hinter der Show, Sam Levinson, der früher selber drogensüchtig war, hat vieles aus seiner Geschichte in die Serie und in die Hauptfigur Rue gesteckt. Mittlerweile existieren zwei Staffeln und für mich passt hier einfach alles, von der künstlerischen Vision bis hin zu den psychisch-faszinierenden Figuren.

Triggerwarnung: Die Serie hat nicht ohne Grund eine Altersempfehlung ab 16 Jahren. Thematisiert und gezeigt werden Mental Health Probleme, Drogensucht und -konsum, Gewalt, Nacktheit, sexueller Content und das alles nicht zu knapp. Achja und Red Flags everywhere. Die zweite Staffel dreht dahingehend noch etwas mehr auf und startet auch direkt mit WTF-Momenten, Blut und offenen Wunden. Selbst Zendaya hat eine Triggerwarnung ausgesprochen.

Die Erzählweise

Die Handlung von Euphoria wird aus der Sicht von Rue erzählt, die ihre Gedanken aus dem Off beiträgt und verschiedene Szenen einleitet. Mit ihrer Drogengeschichte sollte klar sein, dass sie eine unzuverlässige Erzählerin ist und man nicht unbedingt jedes Bild glauben darf. Auch springt die Handlung gerne mal etwas. In den ersten sieben Minuten der Serie bekommen wir einen Recap von ihrer Story zu sehen, bevor in den weiteren Folgen anfangs Backstorys jeweils eines Charakters von ihr beschrieben werden.

Man kann ja schon erahnen, dass Rue die Drogen nicht einfach ignorieren kann. Spannend finde ich hier die Auswirkungen auf ihr Umfeld (Familie und Freund:innen) und die damit verbundenen Konsequenzen. Auch psychologisch lässt sich hier einiges ergründen. Nebenbei machen sich noch weitere Nebenhandlungen auf und die einzelnen Figuren bekommen eigene kleine Geschichten und Entwicklungen, die es zum Teil sehr in sich haben. Auch hat das Drehbuch in vielen Episoden echt clevere Einfälle: Der One-Direction-Fanfiction-Moment in Episode Drei, der One-Shot während eines Jahrmarktes, die Powerpoint-Präsentation über Dick-Pics, die siebte Episode als Beispiel, wie sich Depressionen auswirken können oder der Einsatz von Lordes "Liability" in Jules Spezialfolge.

Ja, wir haben es hier mit einer Teen-Serie zu tun und sie folgt auch manchmal gewissen Klischees, aber in deutlich bestimmterer und direkterer Art. Alles sehr roh, ohne etwas zu beschönigen. So viel Konsum von Alkohol, Drogen, dem Zeigen von Nacktheit oder der exorbitanten Anzahl an Penissen habt ihr noch nie in einer Fernsehsendung gesehen. Ebenfalls wird Sexualität in vielen Formen (Sex, LGBTQ, Fetisch) auch recht explizit gezeigt.

Ein Wandel von Staffel 1 zu 2

Ich habe ein bisschen gebraucht, um in die Serie hineinzufinden, weil doch viele Charaktere vorgestellt werden und man erst nach 2-3 Folgen die Verbindungen erkennt. Gerade in Folge 4, mit den Ereignissen auf einem Jahrmarkt, nimmt es richtig an Fahrt auf. Die erste Staffel endet an einem Höhepunkt oder eben Tiefpunkt, je nachdem wie man es betrachten möchte. Aufgrund der Pandemie verzögerte sich die zweite Staffel doch länger als geplant. Während der Zeit hat das Team zwei Spezial-Episoden gedreht. In der ersten trifft sich Rue mit ihrem Mentor Ali, in der zweiten Rues neue beste Freundin Jules mit ihrer Therapeutin. Beide sind ähnlich minimal aufgebaut und konzentrieren ihre Dialoge auf das Innenleben der beiden Charaktere, was mir sehr gut gefallen hat, weil hier nochmal deutlich tiefer in der Psyche der beiden gegraben wurde.

Die zweite Staffel wird dann sehr wild. Wir steigen noch tiefer in die Drogenunterwelt ein, es wird brutaler und dreht an vielen Stellen etwas sehr frei. Der melancholische Vibe, den ich so an der ersten Staffel mochte, ist mir dabei leider etwas verloren gegangen. Ich müsste die zweite Staffel aber noch ein weiteres Mal sehen, um das nochmals auf mich wirken zu lassen. Immerhin bekommt die 'beste' Freundin von Rue und meine Lieblingsfigur Lexi deutlich mehr Platz zur Entfaltung. Zudem münden einige lose Enden der ersten Staffel in ein großes Finale.

Toller Cast

Zunächst sei einmal das Casting-Team zu loben, das hier einen sehr guten Job gemacht hat. Einige der Schauspieler:innen sind in ihren ersten Rollen zu sehen und fast alle stehen noch am Anfang ihrer Karriere. Keine Person fällt hier aus der Reihe, alle verkörpern ihre Figuren außerordentlich gut. Allen voran Zendaya, die 'Rue' spielt, als wäre ihr das alles selber so passiert. Die schelmischen Blicke, ihr Acting im Rausch, einfach ihr gesamtes Auftreten wirkt so glaubwürdig und hierfür gab es zurecht einen Emmy.

Hunter Schafer als 'Jules' und Angus Cloud als 'Fezco' spielen hier ihre allerersten Rollen überhaupt! Maude Apatow spielt 'Lexi' und bekommt in der zweiten Staffel deutlich mehr Screentime. Leider geht das auch auf Kosten anderer Charaktere, deren eigene Storyarcs nur teilweise voranschreiten. Das hat allerdings auch damit zu tun, dass die Serie eben aus der Sicht von Rue erzählt wird. Dabei sind auch Sydney Sweeney, Alexa Demie, Jacob Elordi, Eric Dane, Barbie Ferreira, Colman Domingo, die ihre Figuren ebenfalls bestens ausfüllen.

Audiovisuell überzeugend

Nicht nur die Thematik, auch die Präsentation ebendieser hat mich absolut beeindruckt. Was in den audiovisuellen Bereichen an Arbeit investiert wurde, fand ich für eine Serie überraschend. Erst einmal der Look, der mit seinen unterschiedlichen Lichtstimmungen auffällt. Mal sind die Bilder Sonnenlicht-geflutet überstrahlt und es entsteht eine träumerische, trippy Atmosphäre. Im Gegensatz dazu stehen in melancholische Dämmerung getauchte blau-lila Bilder. Unterstützt wird der Rausch auch noch durch immersive und unübliche Kamerafahrten und kreative Übergänge, die ich so auch noch nie gesehen habe. In einer von unten gefilmten Szenen denkt man ein Charakter steht an einem Abgrund und will sich umbringen; dabei ist es eine Szene in der sich die Person Hilfe verschafft und auf etwas in ihrer Hand schaut.

Musik ist mir ebenso wichtig, wie das Optische. Für den Soundtrack zeichnete sich der britische R’n’B Künstler Labrinth verantwortlich, welcher die Serie in ihrem Kunstwerk erst komplettiert. Die längeren Stücke sind allesamt so unique und stehen quasi für ihr eigenes Genre. Könnte ich mir stundenlang anhören, so gut ist das.

Spannend ist vor allem der Einsatz des Songs "All For Us" (feat. Zendaya), der immer angespielt wird, wenn Rue wieder kurz vor einem Drogentrip oder Breakdown steht. Je näher sie einem Tiefpunkt kommt, desto mehr wird von dem Song preisgegeben. Achtet mal drauf. In der zweiten Staffel gibt es wieder so einen Song.

Auch spielt allgemein popkulturelle Musik eine wichtige Rolle, die in Hülle und Fülle über die Bilder gelegt wird. In der offiziellen Playlist auf Spotify sind nach den 18 Folgen mittlerweile 247 Songs gelistet.

Euphoria, ein Serienhit

Die Serie konnte jetzt mit Staffel 2 einen noch größeren Hype auch auf den sozialen Netzwerken generieren. Auf HBO ist Euphoria nach Game of Thrones jetzt die zweitmeistgesehen Serie des Senders. Schon vor dem Ende der zweiten Staffel wurde grünes Licht für eine dritte gegeben. Mich hat das alles komplett abgeholt und emotional teilweise sehr mitgenommen und ich freue mich schon auf mindestens eine weitere Staffel. In der letzten Folge werden auch ein paar Hinweise gestreut, wie es mit Rue weitergehen könnte. Hier in Deutschland könnt ihr Euphoria über Sky schauen (Sky Ticket Entertainment (keine Werbung) ist die Serien-Abteilung und bekommt ihr für monatlich kündbare 9,99€). Die deutsche Synchronisation sollte seit heute ebenfalls verfügbar sein.

Weiterlesen:

• Staffel 2 von Euphoria: Warum ich nach Episode 5 nicht mehr weitergucke (Refinery29.com)
• How did Euphoria become the most loved and hated show on TV? (TheGuardian.com)
• What Euphoria Gets Right—and Wrong—About Teen Drug Use and Addiction (Time.com)

Batman im zweiten Jahr

Der noch junge Bruce Wayne befindet sich erst in seinem zweiten Jahr als Batman. Das macht ein Tagebuch deutlich, aus dem wir im Film per Voiceover zu hören bekommen. An Halloween taucht plötzlich ein Serienmörder auf, der sich selbst der "Riddler" nennt (oder einfach so bezeichnet wird?) und Batman von einem Rätsel zum nächsten führt. Gemeinsam mit Lieutenant James Gorden geht Batman auf Spurensuche in die dunkelsten Ecken von Gotham City und trifft dabei auf seine Vergangenheit. Soweit zum Plot, den man eigentlich nicht weiter ausführen muss.

Wenn man das detektivische von Filmen wie "Sieben", den Film-Noir-Stil wie zum Beispiel von "Taxi Driver" und die Figur Batman in einen Mixer steckt, erhält man für mich The Batman. Viele haben auch "Zodiac – Die Spur des Killers" genannt, den habe ich bisher nur leider noch nie gesehen. Er ist deshalb auch kein Superheldenfilm, sondern eher Detektivthriller. Dafür wird viel wert auf die Atmosphäre gelegt und dieses düstere Gotham lies sich noch nie so gut erleben, wie in diesem Film. Actionszenen werden nur sehr dosiert eingesetzt, dafür immer gekonnt und erinnerungswürdig. Vor allem die Verfolgungsjagd hat mich mit offenem Mund zurückgelassen. Das war insgesamt die beste Actionszene des Films und mich würde stark interessieren, wie sie die Szene gedreht haben.

Stellenweise wird der Film aber auch ruhig und hält mit der Kamera mal länger auf Gesichter, um die Gedanken und psychischen (Ab-)Gründe der Figuren erfahrbar zu machen. Hinten raus hatte er mir ein bisschen zu viel Länge. Um das abschließend beurteilen zu können, müsste ich mir den am besten noch ein weiteres Mal ansehen.

Technisch eindrucksvoll

Regie führte Matt Reeves, der sich für zwei Filme der letzten Planet der Affen-Trilogie verantwortlich zeichnete. Im Blockbuster-Bereich also ein Mann, dem man vertrauen kann. Die Dialoge hatten ihren Reiz, die drei Stunden wurden immer gut gefüllt und fühlten sich nie zu langatmig an. Die Kameraarbeit stammt von Greig Fraser, den ich auch schon bei Dune in den höchsten Himmel gelobt habe. Diesmal mit weniger klaren und weiten Shots, dafür alles sehr nah dran, sehr beengend und mit insgesamt ungewohnt viel Tiefenschärfe bzw. Unschärfe, die unseren Blick auf gewisse Details konzentrieren lässt. Dadurch bekommen ein paar Einstellungen einen Horror-artigen Touch, auch wenn sich durch die FSK 12 Freigabe vieles bei euch im Kopf abspielt.

Interessant ist auch, dass die aus The Mandalorian (auch hier hat Fraser als Kameramann mitgewirkt) bekannte StageCraft-Technologie ebenfalls in The Batman verwendet wurde. Während es mir bei den Star-Wars-Serien schon das ein oder andere Mal aufgefallen ist, verschwimmen die Grenzen in The Batman zwischen visuellen Effekten und echten Sets aber so gut, dass es alles schlichtweg atemberaubend und passend aussieht.

Das Sounddesign ist noch so ein Hauptgrund für den Kinobesuch. Wenn zum ersten Mal das Batmobil auftaucht, garantiere ich euch einen Schauer, der über eure Körper läuft. Die Schläge in den Actionszenen hatten die nötige Wucht, um die gezeigten Bilder zu unterstützen und selbst so Details wie das Abrollen eines Klebebands krochen so unangenehm ins Gehör. Und zum Score von Michael Giacchino, der euch schon von der Eröffnungsszene in den Bann zieht, muss ich gar nicht viele Worte verlieren. Das müsst ihr hören und erleben.

Casting on point

Nach all den Filmen, die Robert Pattinson in den letzten Jahren gemacht hat, sollten nun auch die Letzten verstanden haben, dass er ein versierter Schauspieler ist. Als noch unsicherer Batman verschwindet er in den Schatten Gothams und seiner finsteren Psyche. Mal nicht als Playboy, sondern angelehnt an Kurt Cobain als kaputter und orientierungsloser Batman war das eine gelungene Darstellung.

Selina Kyle alias Catwoman wurde durch Zoë Kravitz vielleicht noch nie besser porträtiert. Ihr Story Arc fühlte sich im Film stellenweise gehetzt an, aber ihre Interpretation und Darstellung passte für mich wunderbar. Paul Dano als Riddler ist ein absoluter Psychopath. Dank der Make-Up-Abteilung verschwindet Colin Farrell glatt in seiner Rolle als Pinguin. John Turturro als Carmine Falcone fand ich anfangs irritierend, aber wenn man sich die Comic-Vorlagen anschaut, ist auch das eine gute Wahl. Nur seine Figur blieb für mich etwas zu blass.

Kinobesuch lohnt sich

Ich kann mir vorstellen, dass manche etwas "enttäuscht" sind, weil sie einen Popcorn-Blockbuster erwartet haben, der hier aber nur bedingt geboten wird. Als ich im Kino war, saß im Kinosaal auch ein Vater mit seinem vielleicht 12 Jahre alten Sohn. Ich kann mir vorstellen, dass der Junge die Comics gelesen hat und in den Actionszenen war er auch voll dabei. Bin aber auch der Meinung, dass er den Film in den tieferen Ebenen gar nicht richtig (be-)greifen konnte. Auch hat der Film eben viele ruhige Momente. Daher bin ich gespannt, wie der Film beim Publikum ankommt und wie er im Vergleich an der Kasse abschneidet. Weitere Kinofilme und Spin-Off-Serien (eine Serie rund um den Pinguin ist bereits bestätigt) könnten/werden folgen.

Falls ihr Bock auf Batman habt und euch auf eine dunkle Detektivstory einlassen könnt, solltet ihr euch diesen Film nicht im Kino entgehen lassen. Die Bilder und der Sound wirken zuhause höchstens halb so gut. Beim Hören des Scores sind mir heute direkt wieder Bilder durch den Kopf geschossen (die Szene mit der Leuchtfackel die auch sehr symbolisch ist, die Unterhaltung von Batman und Catwoman auf dem Dach, die Verfolgungsjagd auf dem Highway), die ihr einfach im Kino erlebt haben müsst. Und Kinobesuche sind sowieso immer etwas schönes.

Im letzten Jahr habe ich mir zum ersten Mal die komplette Filmografie von Paul Thomas Anderson innerhalb weniger Tage zu Gemüte geführt. Mein erster Film von ihm war Der seidende Faden, der mich irgendwie fasziniert hat, ich ihn aber gleichzeitig nicht ganz greifen konnte. The Master fand ich insgesamt am schwierigsten, Boogie Nights ging am leichtesten rein. Dafür schaffte es Magnolia direkt in meine Top 10 aller Zeiten. Für mich ist der Film ein Geniestreich sondergleichen. So war Licorice Pizza für mich ein Pflichttermin im Kino.

San Fernando Valley, 1973

Der 15-Jährige Schüler Gary Valentine trifft bei einem Fototermin auf die 25-Jährige Fotoassistentin Alana Kane. Für ihn war es Liebe auf den ersten Blick und er ist überzeugt davon sie in Zukunft zu heiraten. Alana ist zunächst gar nicht angetan von dem selbstbewussten Jüngling, der aber anders scheint als andere Jungs in seinem Alter. Gary führt in seinen jungen Jahren schon ein Unternehmen, er ist Schauspieler und denkt ihm gehöre die Welt. Alana hingegen hat noch keinen Stand im Leben gefunden, hangelt sich von Job zu Job, möchte ausbrechen und Normen sowie Erwartungen hinter sich lassen. Die typischen Probleme beim Erwachsenwerden.

Best depiction of the transition between "I can do anything, I have my whole life ahead of me!" and "I’ve wasted my life, I can’t do anything!" – ie, being 15 and being 25 – that I’ve ever seen.

David Weigel

Wachsendes Interesse

Nach und nach genießt sie sein Begehren und es entspinnt sich ein gegenseitiges An- und Abstoßen der beiden. Wo viele andere Filme sich an Handlung und Exposition abarbeiten, erzählt PTA seine Geschichten anhand der Figuren. Allein diese Andersartigkeit macht den Film schon besonders. Dabei sollte man alles gar nicht so sehr hinterfragen, sondern einfach die Augenblicke genießen. Man weißt zum Beispiel nicht, ob nun drei Jahre oder nur wenige Monate im Film vergehen. Braucht es auch nicht, da wir dem Film eh alles glauben und das Gefühl für Zeit einfach verloren geht.

Dabei gelingt es PTA auf leichteste Art Momente zu kreieren und einzufangen, die fast wie nebenbei gefilmt wirken. Es ist schon die Virtuosität der Eröffnungsszene mit der gleitenden Kamera, die zwischen Alana und Gary hin und her tänzelt und uns direkt in diese Beziehung hineinwirft. Neben Regieführung, schrieb PTA auch das Drehbuch, produzierte den Film mit und war wieder einmal mit als Kameramann tätig.

Gedreht wurde der Film auf 35mm Analogfilm. Zusammen mit der 70mm Projektion im Savoy in Hamburg (keine Werbung, einfach ein tolles Kino) hatte man auch direkt das Gefühl in den 1970ern verloren gegangen zu sein und sich in dieser Zeit einen Film anzuschauen. Die immer passende Musikauswahl funktionierte hervorragend, um den Nostalgiefaktor weiter aufzubauen und viele Szenen durch die Musik nochmal in neue Höhen zu treiben. Als Alana am Anfang aber von ihrem Arbeitgeber einen Klaps auf den Po bekommt, wird klar, dass die Zeit nicht immer so rosig war, wie wir sie in Erinnerung halten. Das wird auch an weiteren Stellen im Film aufgegriffen.

Zwei Filmdebütierende

Cooper Hoffmann, Sohn des leider viel zu früh von uns gegangenen Philip Seymour Hoffman, hat hier seine erste Filmrolle, ebenso wie Musikerin Alana Haim. Ihr kennt sie vielleicht als Teil des Schwestern-Musik-Trios HAIM (hier reinhören: "Want You Back"; Regisseur PTA hat mehrere ihrer Musikvideos inszeniert). Auch sie gibt in Licorice Pizza ihr Filmdebüt. Beide entsprechen nicht dem typischen Hollywood-Ideal, sondern wirken eher wie die zwei aus der Nachbarschaft. Das macht es aber umso glaubwürdiger und mehr aus dem Leben gegriffen. Zudem spielen beide ihre Rollen mehr als überzeugend. Cooper Hoffmann hat natürlich riesige Fußstapfen zu füllen, das traue ich ihm nach der Performance aber zu.

Der Name Licorice Pizza entstammt einer ehemaligen Kette von Plattenläden in Los Angeles.

Auch gestandene Hollywood-Größen sind in Nebenrollen zu sehen. Bradley Cooper imitiert den exzentrischen Jon Peters, den damaligen frischen Liebhaber von Barbara Streisand. Wann immer er auf der Leinwand zu sehen war, kam man aus dem Grinsen gar nicht mehr heraus (Oscar-Nominierung wo?). Sean Penn und Tom Waits, deren Figuren auf großen Namen im Filmbusiness basieren, lassen das alte Hollywood mit einem Motorradstunt wieder aufleben. Und Benny Safdie spielt als Politiker eine kleine Rolle.

Auch die Eltern und die Schwestern von Familie Haim kommen im Film vor und spielen passenderweise die Familie von Alanas Figur. Und da kommen wir nochmal zum Star des Films: Alana Haim. Ihr Schauspiel ist so elektrisierend-furchtlos, dass sie sich auch nicht hinter den Hollywood-Größen verstecken muss. Sie strahlt so viel Sympathie und Energie aus, dass es wirklich Spaß machte ihr zuzuschauen. Auch gehört ihr mit die beste Sequenz im Film, in der sie einen Möbeltransporter steuert, der ohne Benzin rückwärts die Straßen herunterrollt. Das ist spannender inszeniert als in diversen Actionfilmen. Ich bin super gespannt, ob und wie es mit ihrer Schauspielerinnen-Karriere weitergeht.

Kino zum Verlieben

Zufriedener werde ich mit dem Text leider nicht mehr und es sind wieder viel zu viele Worte dafür draufgegangen. Ich würde den Film auch am liebsten direkt ein weiteres Mal sehen. Licorice Pizza ist ein Gefühl, das man selber erlebt haben muss und entweder packt es dich oder es lässt dich kalt. Mich hat er von der Eröffnungsszene, über all die Momente bis zum Schluss total mitgerissen und bekommt bei mir jetzt schon einen Platz in den Top 5 für dieses Jahr. Die Coming-of-Age Story mit der Liebelei der beiden ist herzallerliebst inszeniert, Alana Haim verkörpert dieses nervöse, leicht flippig-genervte in der unsicheren Zeit des Erwachsenwerdens in Perfektion und dieses Abtauchen in die 1970er macht einfach Lust in dieses Jahrzehnt zurückzureisen. Das alles aus den Händen von einem Mann, der sein Handwerk einfach versteht. Kino zum Verlieben.

Bandenkrieg und Liebe

Im Broadway Klassiker von Leonard Bernstein (Musik), Stephen Sondheim (Lyrics) und Arthur Laurents (Buch) stehen sich in New York der 1950er zwei rivalisierende ethnische Gangs gegenüber: die US-amerikanischen Jets, angeführt von Riff und die puerto-ricanischen Sharks, angeführt von Bernardo. Mittendrin entspinnt sich eine Liebesgeschichte zwischen dem ehemaligen Anführer der Jets "Tony" und der Puerto-Ricanerin "Maria", der Schwester von Bernardo, wodurch sich die Spannungen der beiden Gruppen nur noch weiter verstärkt. Heruntergebrochen ist es angelehnt an die Shakespeare-Tragödie "Romeo und Julia".

Meistermann Steven Spielberg

Ein Vergleich mit der Filmversion von 1961 ist natürlich sinnvoll, obwohl auch der Film erstaunlich gut gealtert ist und heutzutage noch immer modern aussieht. Auch dort stachen die Kamerafahrten und die Ensembleleistung sehr heraus. Allerdings fühlt es sich mehr an, wie eine Theaterinszenierung in einem leeren New York. In der Version von 2021 fühlt sich alles deutlich lebendiger an. Die Straßen sind bevölkert, es gibt deutlich mehr Setpieces und kleineren Ideen und alles ist einfach mit der fünffachen Größe inszeniert worden. Die Reihenfolge der Szenen wurde etwas geändert und auch einige (politisch) bissigere Kommentare mehr schafften es ins Skript. Auch das Sounddesign kommt deutlich druckvoller und düsterer daher.

Bei dem Namen Steven Spielberg kann man natürlich auch einiges erwarten und er liefert so was von ab. Zwischenzeitlich ist es schlichtweg atemberaubend, was er mit seinem langjährigen Kameramann Janusz Kamiński für Szenen kreiert. Nicht nur die typischen langen Takes und die weiten Kameraeinstellungen sind beeindruckend. Auch alles andere. Die Machart wirkt wie aus der damaligen Zeit und die Choreographien sind großartig. Ein kleiner Kritikpunkt von mir wäre, dass einige Sets durch die Lichtsetzung manchmal etwas unnatürlich wirkten.

(Tanz-)Choreographien vom Feinsten

Schon im ersten Drittel kommt man bei der Ballszene in der Turnhalle nicht mehr aus dem Staunen heraus. Wie die Kamera langsam über das Geschehen fliegt, sich dreht und wieder zu den Protagonist:innen zurückkommt, während im Hintergrund Hunderte an Darsteller:innen am wuseln sind, ist fast schon magisch. Dort erblicken sich Maria und Tony das erste Mal. Ebenfalls toll. Aber auch einige einzelne Bilde sind wunderschön. Es gibt eine Szene, in der Ansel Elgorts Figur "Tony" in einer Pfütze vor dem Haus mit der Wohnung von Maria steht. Falls ihr den Film euch mal anschaut, werdet ihr wissen was ich meine.

Die beste Sequenz gibt es zu "America". Das Musikstück an sich ist schon fantastisch, aber verbunden mit der Choreographie, die heraus auf die Straßen getragen wird, bereitete mir massivste Gänsehaut und dieses High-Gefühl im Kino. Meine Augen klebten förmlich auf der Leinwand.

Das Ensemble

Was wäre ein Musicalfilm ohne ein Ensemble, das sein Handwerk versteht und hallelujah waren da einige herausstechende Leistungen dabei. Vom Gesang und Tanz verstanden sie alle etwas und dahingehend ist mir nichts negativ aufgefallen. Die Figur "Tony", gespielt von Ansel Elgort, wirkte etwas hölzern, was sich aber ab der Mitte noch besserte. Rachel Zegler als "Marie" dagegen konnte in ihrer ersten Filmrolle mit ihrer Stimme, die einem zum weinen bringt und ihrer herzlich-offenen Art glänzen. Mike Faist als "Riff" und David Alvarez (einer der jüngsten Tony Award Gewinner) als "Bernardo" stachen als Bandenführer ebenfalls heraus. Einerseits wegen ihre Anführer-Ausstrahlung und ihrer Coolness. Auch Rita Moreno (die EGOT-Preisträgerin hat mittlerweile 90 Jahre auf der Uhr), die in der 1961er Version die "Anita" spielte, bekommt hier eine wichtige und emotionale Rolle.

Der eigentliche Star aber war für mich Ariana DeBose, die "Anita" spielt. Allein mit ihrem Charisma und ihrer puren Energie stahl sie in vielen Szenen allen die Show. Die Ausstrahlung, die Freude, ihre anziehenden Blicke. Das war umwerfend. Auch nach ihrer Golden Globe Prämierung ist sie für mich momentan heiße Anwärterin auf eine Auszeichnung als Beste Nebendarstellerin bei den Oscars.

Glücklich und beseelt

Nach dem Kinobesuch war ich wie verzaubert und musste mich kurz dran gewöhnen, nicht mehr innerlich durch die Straßen New Yorks zu hüpfen. Musicals fand ich immer gut, als Film konnte mich das aber nie ganz packen. Das hat sich im letzten Jahr mit Encanto oder auch tick, tick…BOOM! entscheidend geändert. Auch La La Land habe ich im letzten Jahr das erste Mal gesehen (und dann direkt zweimal), der für mich sogar ein 5/5 Film ist.

West Side Story hat mich trotz des tragischen Endes mit einem warmen Gefühl aus dem Kinosaal entlassen. Die weiten Bilder mit den großen Sets, dem tollen Cast und der Menge an Statisten berauschen die Sinne, die Songs werden von Anfang an spitzenmäßig rübergebracht und insgesamt war das einfach schön anzusehen. Wer Musicals generell mag und mit der leicht theatralische Art und den Tänzen etwas anfangen kann, der sollte sich West Side Story (2021) in jedem Fall anschauen!

Wenn ihr Glück habt, bekommt ihr den Film noch vereinzelnd im Kino zu sehen. Ansonsten kann ich mir gut vorstellen, dass er ähnlich wie andere 20th Century Studios Produktionen (The Last Duel, Free Guy) demnächst auf Disney+ landet.

Wer Lust hat, kann mir bei letterboxd folgen. Da werde ich mal mehr versuchen meine Gedanken zu Filmen festzuhalten und meinen Schreibstil etwas auszubauen. Nachfolgend also meine Liste mit Titel, regieführender Person und meiner Wertung.

1. Dune (von Denis Villeneuve, 5/5)

DAS Sci-Fi-Kinoerlebnis des Jahres. Dreimal gesehen, dreimal aus dem Staunen nicht mehr herausgekommen.

2. Nomadland (von Chloé Zhao, 5/5)

Chloé Zhao zeichnet mit ihrer zärtlichen Handschrift einen naturalistischen und warmherzigen Film über Ängste, Leben und vor allem Menschen, die in einer zutiefst kapitalistischen Gesellschaft nicht mehr gesehen werden.

3. Bo Burnham: Inside (von Bo Burnham, 5/5)

“Healing the world with comedy”. Das beste Erlebnis, welches während der Pandemie, über die Pandemie entstanden ist.

4. Titane (von Julia Ducournau, 4,5/5)

Das abgefahrenste Kinoerlebnis des Jahres. Ein Film, der an die Substanz geht, sowohl emotional, als auch von den gezeigten Bildern.

5. The Green Knight (von David Lowery, 4,5/5)

Anspruchsvolle Fantasy (die nicht jedem gefallen wird) mit atemberaubenden Bildern, aufbauend auf dem Gedicht "Sir Gawain und der grüne Ritter" aus dem Umfeld rund um König Artus.

6. Der Rausch (von Thomas Vinterberg, 4,5/5)

Lebt es sich mit dauerhaften 0,5 Promille im Blut wirklich besser? Vier Männer in ihrer Midlife-Crisis, angeführt von Mads Mikkelsen finden es für euch in dieser Tragikomödie heraus.

7. The Last Duel (von Ridley Scott, 4,5/5)

Zwei Ridley Scott Filme in einem Jahr. "House of Gucci" ist gut, "The Last Duel" ist besser und wichtiger. Aus unterschiedlichen Perspektiven betrachtet, reist der Film mit euch ins Mittelalter und erzählt die wahre Geschichte hin zu einem Duell Mann gegen Mann, aus dem eine Frau als Siegerin hervor geht.

8. Pieces of a Woman (von Kornél Mundruczó, 4,5/5)

Ein intensiver Film über Verlust und Trauer und der Umgang mit einem schrecklichen Ereignis. Vor allem der über 20-minütige One-Take einer Geburtsszene hallt mir immer noch im Kopf nach.

9. Shiva Baby (von Emma Seligman, 4/5)

Coming-of-Age mit einer Prise Horror. Eine skurrile 'Komödie', die einem den Horror einer Feier näher bringt, auf der man nicht sein will.

10. Promising Young Woman (von Emerald Fennell, 4/5)

Carey Mulligan, die angetrunken (meint man zumindest) Männer verführt, die sie ausnutzen wollen, und zuhause angekommen die Situation auflöst. Klingt plump, ist aber im Film umso eindrucksvoller und cleverer inszeniert. Wichtig und bitterböse. Müsste ich nochmal sehen, dann würde er vielleicht noch weiter hochrutschen.

11. Pig (von Michael Sarnoski, 4/5)

Eine Rachethriller, der die Konventionen des Genres gekonnt auf links dreht. Mit Nicholas Cage in der Hauptrolle, dem sein geliebtes Schwein geklaut wird und sich auf Spurensuche begibt.

12. Encanto (von Jared Bush & Byron Howard, 4/5)

Der Film steht für mich für eine Erkenntnis: Ich kann mit Musicals mittlerweile (und endlich!) deutlich mehr anfangen. Encanto erzählt von der Familie Madrigal, die in einem Haus lebt, in dem jedes Familienmitglied, bis auf unsere Protagonistin Mirabel eine besondere Kraft besitzt. Bunt, lustig, mitreißend.

Honorable Mentions (alle 4/5):

• 13. Spider-Man: No Way Home
• 14. The French Dispatch
• 15. Die Mitchells gegen die Maschinen
• Luca
• Don’t Look Up
• Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings
• The Summit of the Gods
• Zack Snyder’s Justice League
• The Power of the Dog
• CODA
• The Father
• Minari
• Black Widow
• The Suicide Squad
• tick, tick…BOOM!
• Malcolm & Marie
• The Dig

Filme, die ich noch nicht gesehen habe, aber in der Liste auftauchen könnten:

• Last Night in Soho
• The Lost Daughter